La Trampa del Bulevar.

Nos mudamos.

2011-12-20T19:36:00.001-06:00

A partir de ahora todas las entradas nuevas estarán en http://latrampadelbulevar.wordpress.com. El contenido anterior se queda aquí.

Les vemos por allá.

Hojas informativas LTbD 2009 - Peeping Tom: El año pasado en Marienbad.

2011-10-21T20:08:00.009-05:00

Entre 2008 y 2009, La Trampa del Bulevar estuvo muy activa publicando hojas informativas que se regalaban en gigs, sesiones de vinilos y en el cineclub que teníamos todos los lunes. Además, aprovechábamos la tiendita de Cine Arte de la Plaza de la Tecnología (¡saludos, Johnny Tatuajes, likely lad!) para repartir algunas copias. Una de estas hojas era Snap!, sobre música, modernismo y las cosas que sucedían en la ciudad (Snap!, por cierto, está de regreso circulando en las calles con un nuevo número.) La otra hoja informativa era Peeping Tom, mucho más rudimentaria, sobre cine. De esta sólo hubo tres números. Rescatamos aquí un texto que apareció en la edición de enero de 2009 acerca de un clásico, El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais. Pura ingenuidad y pasión. De eso se ha tratado siempre.

* * *

Los enigmas son poderosos. Casi nunca podemos con ellos. Uno se engancha de por vida en la obsesión o los abandona frustrado.

Dirigida por el genio Alain Resnais y con un guión legendario del Alain Robbe-Grillet, ‘El año pasado en Marienbad (L’année dernière â Marienbad, 1961)’ es, sin duda, una de las películas más enigmáticas de todos los tiempos. Y por ende, una de esas películas que obligan a tomar extremos: se le ama o se le odia. Una película de culto extraña, con una estructura de círculos concéntricos cuyo misterio parece nunca terminar.

Dos personajes sin nombre (X y Y en el guión) se encuentran en una vacación en un hotel obscenamente lujoso y frívolo, amplio y laberíntico, espléndido y aterrador. Todo un personaje más. X insiste a Y que se conocen desde un año atrás, cuando se encontraron en Marienbad. Y, presuntamente casada con otro hombre que también está en el hotel, dice no recordar nada. ¿Quién tiene la razón?

En este lugar, el ocio de los juegos de cartas, un juego de palillos (en el que es imposible ganar) y las conversaciones superfluas se convierten en intrincados juegos mentales, en recuerdos inventados (o tal vez no) y en diálogos completamente cautivadores, que hacen imposible sentarse una sola vez ante tal maravilla. ‘Marienbad...’ no puede pasarse por alto por su estilizada composición visual, pero tampoco por el enigma que mueve (¿o estatiza?) la trama.

Para unos, es una posible reflexión sobre la realidad y sus inconsistencias. Para otros, un ensayo fútil sobre casi nada, sin mucho fondo y mucha forma. Nosotros estamos con que es una obra de arte en toda regla; uno no se sienta a verla, sino que se enfrenta a ella.

¿Es el guión sólo un pretexto para realizar los planos más elegantes jamás hechos? ¿O hay de verdad un secreto de fondo en estos juegos de los personajes? ¿Se conocieron el año pasado en Marienbad o no? Incluso guionista y director tenían opiniones encontradas.

Compleja en narrativa y un logro visual impresionante, es una de esas películas de justificado culto que no pueden dejarse pasar. Pocas veces un escenario resulta tan perturbador en el cine – el hotel de El Resplandor (Kubrick, 1980) es un buen ejemplo y punto de comparación. Marienbad es una maldita maravilla. Una de las películas más subvaluadas de todos los tiempos.

Marienbad ha sido reverenciada y parodiada constantemente en la cultura popular. Como detalle, el videoclip To The End (1995) de Blur es un homenaje a la obra maestra de Alain Resnais.

Un poco de jazz en Europa.

2011-08-22T17:24:00.005-05:00

La historia del jazz en Europa comenzó a Original Dixieland Jazz Band, la primera en hacer grabaciones de esta nueva música del nuevo mundo en 1917. Fue en 1919 cuando este grupo que venía precedido de varios proyectos integrados, como debe ser la música de verdad, visitó Londres y tocó en el Hipódromo. Los libros lo tienen como un gig controversial: la aristocracia londinense, portando el dominguero y sendos binoculares para la ópera, veía en menos a este grupo de desquiciados que brincaban por el escenario como demonios. Por fortuna el Rey Jorge V, padre del heroico tartamudo al que se le ha hecho una película recientemente, demostró que el primer gran éxito del jazz, el Tiger Rag, le había encantado: soltó una carcajada y aplaudió con un gesto grande, que se notase. Sólo entonces el público se relajó un poco y se divirtió.

Unos años después, en el 26, Paul Whiteman (a quien la prensa llamaba entonces el Rey del Jazz) también tomó la capital del Reino respaldado por su espectacular Orquesta. De nuevo controversia: los más puristas decían que Whiteman (1890-1967) era demasiado superficial y cuadrado para la sensibilidad del jazz (despreciaba la improvisación, por ejemplo), pero incluso Duke Ellington (otro notorio anti-improvisación) le llenaba siempre de elogios. Lo importante es que Whiteman llevó a Londres una de las piezas musicales más importantes de la Casi-Siempre-Miserable y Sólo-Muy-A-Veces-Poética Historia de la Humanidad: Rhapsody in Blue, de George Gershwin (1898-1937), un tipo que sí que merece la beatificación por su contribución espiritual al mundo, aunque tampoco la necesita. De Londres siguió París. Luego Berlín. El jazz tomaba por sorpresa al Viejo Mundo, que tenía que apartar la vista del espejo en el que se miraba sin apenas notar que en todos lados estaban sucediendo cosas que iban a cimbrarlo.

París adoptó esta nueva música como ninguna otra ciudad de Avrupa, tierra mítica de por sí. A pesar de que Londres fue, de nuevo, escenario de dos episodios magníficos en el 32 con la visita de Louis Armstrong (1901-1971) y en el 33 con la del “Duque” Ellington (1899-1974), el gran acontecimiento sucedió en Civitas Parisiorium con la fundación del Hot Club de France, un garito del diablo en donde La Música ocurrió. Los bohemios habían dejado herencia. En el 34 surge el Quintette du Hot Club de France, el primer grupo de jazz europeo que podía enfrentarse cara a cara a uno americano sin marrullerías ni miedos. Y es que en su alineación había dos übercracks, capaces de hacer palidecer al mismo Mefistófeles cuando tomaban su instrumento: Stephane Grapelli (1909-1997), un violinista fuera de serie y Django Reinhardt (1910-1953), un gitano cuyo nombre pone a temblar de emoción a cualquier musicómano. Si la historia de la humanidad fuese justa y sensata, los libros hablarían de esto y no de algunas lelísimas e inutilísimas monarquías o de dictadores peleles. Estos son los nombres que importan.

Pero siempre se estropean las cosas. En septiembre de 1939 estalló la Guerra. Europa se volvió idiota. Cuando llegaron las primeras noticias sobre las belicosidades el Quintette estaba en el Reino Unido. Grapelli decidió quedarse. Los demás, incluyendo a Django, regresaron a Francia para encontrarla reprimida y triste. Por fortuna, pudieron continuar con su carrera, aunque con muchas limitaciones y cuidando las formas, pues había demasiados ojos sobre ellos.

Y es que la idea de la “pureza cultural” permeó todo territorio ocupado. Y es que ese grandísimo imbécil, Josef Goebbels, veía en expresiones como el jazz un concepto despreciable: no sólo era subversivo, rítmico y muy americano, sino una doble amenaza (como Leonard Zelig), al ser un producto “impuro” concebido por los negros, los judíos, los gitanos. Ya desde el 38 en Alemania había una ley (?) que decretaba que sólo podían comercializarse discos de artistas arios y el régimen quería hacer extensiva esta idiotez. Conocidas son esas emocionantes historias de los Swing Kinder, chavales alemanes que en los años 30 no sólo se oponían a las ideas nazis y a las juventudes Hitlerianas (una especie de perversos scouts), sino vivían en la total subversión bailando y escuchando jazz, viviendo y vistiendo a la americana y arriesgándose a perder la vida por una buena pieza de música. Héroes, donde los haya. La mayoría eran de St. Pauli, ese extraordinario distrito liberal de Hamburgo. Esto sí es contracultura.

La canción popular en los estados ocupados o aliados a la causa se convirtió en una completa basura. Como lo cuenta entre nostálgico y horrorizado Umberto Eco en La misteriosa llama de la Reina Loana, las tonadas tradicionales de ragtime, de jazz o de canción popular eran mancilladas con letras pro-fascismo/nazismo, una joya para los coleccionistas, una vergüenza para la historia. El jazz sobrevivió, como en otros tiempos, en el bajotierra, en tugurios, escabulléndose entre túneles y callejones, preservándose para que los que nacieran después aprendieran un poco y no repitieran los errores del pasado. Los soldados americanos llevaban, también, discos de jazz y escuchaban, en radios de onda corta, programas dominados por piezas sincopadas.

Tras la guerra, el jazz se quedó en Europa. Incluso, copulando con la cultura británica, hizo nacer a una de las subculturas más definitorias del XX, la de los Modernistas, Mods. Comenzó como una batalla entre tradicionales y vanguardistas, pero la discusión siempre gravitaba en torno a esa música caliente y peligrosa. Hoy, los que saben siguen discutiendo lo mismo. Jass it up, boys!

C/S.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 4 de mayo de 2011.

Cinco películas pop para un weekend lluvioso.

2011-06-24T18:19:00.015-05:00

No son obras maestras que ganaron estatuillas. Tampoco películas que aparecen en listas de Lo Mejor De ni en libros de ceja alzada. Pero son cinco películas pop para weekends lluviosos. Cinco películas no aptas para exquisitos. A disfrutar, guarros.

Erotissimo. 1969. Dirigida por Gérard Pirès (Francia, Italia.)

Muy en el tono del cine pop más descarado y explotador de William Klein, Erotissimo es una delicia. La anécdota es la de siempre en esta clase de sexicomedias: una esposa middle class/middle age echa de menos un poco de excitación en su vida. El esposo es un exitoso empresario que le pone muy poca atención. Y lo que sigue, una serie de enredos propia de cualquier película cutre de domingo. Pero visualmente es una maravilla: pop, op, chicas de revista de moda late sixties (y algunas de publicaciones adults only) por doquier, melenas, psicodelia, sexo vin-ta-ge, ridículos gadgets, mueblería de catálogo y ropa de esa que salía en las fotos de Vogue. El humor es simplón y muy, muy francés (anti-galos, absténganse), con clara herencia de los flicks más ligeros de la nueva ola, pero al final funciona muy bien. Es una comedia liviana para una tarde tranquila; se ve muy bien con un trago estiloso y buena compañía. Para los muy clavados, Serge Gainsbourg aparece en un brevísimo cameo. Trailer acá. Consíguela acá.

Jeu de Massacre. 1967. Dirigida por Alain Jessua (Francia.)

Dos palabras: Guy Peellaert. La película es toda extraordinaria, pero lo que más destaca son los dibujos del genio de los tebeos y la ilustración. Y es que Jeu de Massacre (o The Killing Game, en inglés) va de caos y creación, con un impecable Jean-Pierre Cassell (ídolo) y una brillante Claudine Auger post-James-Bond, una historia llena de tensión y una estética pop que enamora: es a la vez un thriller, una caper movie, una comedia negra y una historia de crimen. Los personajes, un ménage-à-trois formado por un escritor de tebeos, una dibujante y un extraño personaje que manipula la trama maquiavélica y sádicamente. A veces parece una película de la mejor época de Chabrol; a veces, un filme de desvergonzada explotación, la casi-poesía de lo cutre. Pero entonces comienzan a aparecer las sensacionales ilustraciones de Guy Peellaert que no sólo funcionan en lo visual, sino que son parte integral de la narración. Pura adrenalina. Unas cuantas escenas acá, acá y acá. Consíguela acá.

The Lickerish Quartet. 1970. Dirigida por Radley Metzger (Italia, EEUU, Alemania.)

Radley Metzger, ese infame realizador de cintas sucias, es un nombre importante entre los entendidos de cine basura. Su última película de porno suave fue The Lickerish Quartet, muy al estilo de su legendaria Camille 2000: escenarios ostentosos, triángulos amorosos y mucha piel. Como en todo el universo Metzger, este film está repleto de pervertidos, voyeuristas y mujeres fatales: una pareja invita a su mansión a una chica a la que creen haber visto en una película pornográfica. Lo que sigue es un cuadrado de amor bizarro entre la chica y el marido, la esposa y el hijo. De atmósferas oníricas, la película se toma muy en serio el rollo de la confusión entre realidad y fantasía, aunque no es lo que la hace memorable: se pone mucho mejor cuando Metzger saca lo chulo y lo guarro que tenía, que era mucho. Todo esto funciona, por supuesto, por estar tan llena de decadencia, de perturbadora sofisticación y de la sórdida y exquisita música de Stelvio Cipriani. Sexy as fuck. Para verse a la medianoche, de preferencia en posición vertical. Trailer acá. Consíguela acá.

Peppermint Frappé. 1967. Dirigida por Carlos Saura (España.)

En Peppermint Frappé, una Geraldine Chaplin resplandeciente (y en doble papel) es el oscuro objeto de deseo de José Luis López Vázquez, que hace de un médico maduro, soltero y obsesionado con una mujer a la que conoció tiempo atrás. Pronto confunde a la nueva esposa trofeo de su mejor amigo con ella y comienzan los problemas. Carlos Saura logra con este trabajo, uno de los mejores de su primera etapa, una pequeña obra maestra hitchcockiana, aunque dedicada a su mentor Luis Buñuel. Una muestra de que el nuevo cine español, que bebía del film noir americano, de las vanguardias del celuloide y de la nueva ola francesa, podía ser complejo y estimulante. Peppermint Frappé sugiere, como título, una película que aprovecha la fiebre pop de finales de los 60. Nada más alejado. La historia está enmarcada en una época específica, pero no se valía de ella para gustar ni para atraer público joven a la sala. Es una película clásica, con sutiles toques de humor, de esas que hay que ver sí o sí. Como extra, las canciones fueron compuestas por Teddy Bautista e interpretadas por Los Canarios. Abre los ojos. Trailer acá. Consíguela acá.

Sie Tötete in Ekstase. 1971. Dirigida por Jesús Franco (Alemania, España.)

She Killed in Ecstasy, como se le conoce mejor, es, posiblemente, la obra maestra del desquiciado Jesús Franco. Amo del cine de explotación, con una carrera de cientos de películas repletas de culos, tetas y pitos, ha sido siempre también un esteta y un estilista a ultranza. Ecstasy no sólo contiene a Soledad Miranda en todo su esplendor (es una cinta contemporánea a Vampyros Lesbos), también es una película de venganza en la que cada encuadre parece una ilustración de tebeo. Un científico que experimenta con humanos es expulsado de una sociedad científica y puesto en vergüenza, tanto que decide suicidarse. La esposa, Miranda, decide vengarse de quienes empujaron a su hombre a ese final. Sexy, colorida, cutre, Ecstasy es una chef-d'oeuvre del cine serie B de principios de los 70 en Europa, situada en lujosos castillos y hoteles decadentes. Jesús Franco, voyeur y pervertidazo, se dedicaba a hacer películas que a él le gustaría ver: chicas, vampiras, mujeres fatales en ropas mínimas, bebiendo cocteles, fumando, recostadas en habitaciones de colores chillantes y ángulos extraños. Un fragmento acá. Consíguela acá.

Adiós, Gil-Scott Heron.

2011-05-28T02:11:00.007-05:00

Triste noticia nos ha sacudido hoy. Gil Scott-Heron ha muerto. Héroe. No creo encontrar, justo ahora, otra palabra para adjuntar a su nombre. Aprovechamos para rendirle un pequeño y tal vez insuficiente tributo en La Trampa del Bulevar con un texto que se publicó en diciembre de 2010 en El Heraldo de León, reseñando el último disco de nuestro héroe, insinuándolo como el disco del año. Coincidió el texto con los problemas de salud de otro héroe (y, como GSH, todo un sobreviviente), Héctor Gómez-Vargas, a quien se le dedicó. Uno se fue hoy. Otro sigue acá, rehecho de piezas de un hombre que lo ha visto todo. A Gil Scott-Heron le extrañaremos tremendamente. Nos queda su música. Escuchémosla, phonomancers, que hace magia. Palabra.

Discos que importan: Gil Scott-Heron, I'm New Here.

En todo esto, Gil Scott-Heron fue primero que nadie. Respeto para Gil Scott-Heron, hermanos.

Gil Scott-Heron es el hombre. No busques en otros lados. Los duros que mascan balas y beben diesel para remojar el cogote no tienen qué hacer frente a nuestro hombre. Nada. Y es que Scott-Heron no sólo ya hizo, deshizo, subió, bajó, vino, fue, inventó, destruyó; lo hizo y ahora habla con voz de sabio. No necesita, ni siquiera, mover un dedo para destruir. No necesita, ni siquiera ya, destruir. Hoy, Scott-Heron es como ese viejo gurú al que las gangs respetan, al que escuchan y hacen caso. Porque, lo sabes, antes fue como ellos, aunque en otros tiempos, prácticamente en otro planeta.

No es un despropósito ni una desproporción decir que nuestro hombre inventó el rap. Lo echó a andar, en los 70 y 80, con sus sobrecogedores textos, pronunciados con una convicción tan negra como la música de Brian Jackson que le servía de proscenio; spoken word que rimaba con los compases más soul, que se movía a ritmo de funk y que escocía con acordes de jazz. Militante comprometido, fue un ícono del Black Power. La revolución no iba a ser televisada, pero nadie dijo que no podía ser capturada en vinilo. Negro, claro. Scott-Heron hablaba para su gente y nada importaba más; ellos sin agua caliente, sin poderle pagar al doctor, mordidos por las ratas, pero el hombre blanco, whitey, orgulloso pisando la luna, ganando una burda carrera espacial.

Gil Scott-Heron hablaba claro y fuerte. Se metía en líos. Afilaba los puños, desenfundaba la lengua y salía golpeado, pero ileso. Al mismo tiempo, cantaba unas tonadas que aún hoy ponen la piel de gallina y a pulsar el corazón como el de un adolescente fogoso y tembleque que ve a su voluptuosa acosada doblar la esquina y dirigirse, sin darse cuenta, hacia él. Así. Nacido en Chicago y criado en Tennessee, Gil es hijo de un futbolista jamaicano, Giles Heron, quien de hecho fue el primer jugador negro en alinear con el Celtic de Glasgow, el club católico de la ciudad más populosa de la Rosa Escocesa. Se mudó a Brooklyn aún siendo un niño, tras el divorcio de sus padres y la muerte de su abuela, quien le cuidaba. Allí se educó en las calles y también en la escuela. Educó los puños y el cerebro, formación de adalid de su cultura. Pintó graffiti y escribió poesía. Convivió con los olvidados leyendo y aprendiendo a los inmortales.

Y fue grande. No rompió las listas pop, pero no era necesario. Inventó el rap, construyó con las manos sangrantes los cimientos del nuevo soul, y luego desapareció. La constante historia de las drogas, la depresión y las malas decisiones también la cuenta Gil Scott-Heron, en primera persona y sin metáforas, así en crudo. Por eso estuvo ausente.

En 2010 regresó. En febrero, lanzó un álbum, tras años de retirada y rehabilitación. No puede haber título más sardónico, porque el nombre nos dice I’m New Here. Pero él se siente así, nuevo y distinto; aún es un comprometido, pero ya no guerrea. Como sensei, contempla y actúa sólo cuando se requiere; da consejos y más vale escucharlos. Está llegando, del más allá, a un mundo que no sólo absorbió sin querer su estilo y su forma, sino que ya la retorció, creando obras de arte en muchos casos y verdaderos bodrios en otros; que ya adoptó esa forma musical como un género más, que ya se adhirió al sistema del comercio y que, al mismo tiempo, ha sido una de las más grandes subversiones del turn of the century.

Ahora que comienzan las listas de lo mejor del año, tendremos qué incluir esta nueva placa de Gil Scott-Heron, realizada por consejo y con apoyo total de Richard Russell de XL Recordings. En ella, sí, de nuevo está presente su spoken word, pero ya sin furia y sí con un montón de sabiduría de calle, de cantina y de libro, de la que vale. Habla de su familia, de su crianza, de su infancia, de las mujeres, de su madre, sin dejar el jazzy feel de lado, aunque con un sonido de resurrección más que interesante: bases de trip hop aquí y allá, sampleos, modernizaciones de viejos y legendarios blues (Me & The Devil de Robert Johnson, sin palabras), versiones estupendas (la canción titular es original de Smog), interludios hablados, retazos de gospel e incluso, singles en colaboración con discípulos indirectos como el incombustible jefe del rap, Nas (New York is Killing Me.)

Le han seguido, al disco, entrevistas y reportajes aquí y allá. Este año Gil Scott-Heron ha vuelto a ser un gran nombre para muchos oídos que le tenían en un estante de discos, recargado en el estante superior, guardando polvo. Para algunos otros, nunca se fue, pero escucharle decir cosas nuevas era ya necesario. Él no es nuevo aquí. Pero como si lo fuese.

Este va, con cariño, para Héctor Gómez Vargas. Recupérate pronto, menda, que aún hay ventanas qué romper y canciones qué vivir.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 17 de diciembre de 2010.

Addenda: Como pequeña nota aclaratoria, Héctor Gómez-Vargas hoy está recuperado y sigue trabajando en lo suyo. Hace unas semanas presentó un libro nuevo, por cierto...

The Cry of Jazz.

2011-04-02T11:31:00.002-06:00

Grabado en el downtown de Chicago, The Cry of Jazz (1959) de Edward Bland es un ensayo fílmico fundamental y fundacional acerca de la identidad estructural compartida entre la cultura negra americana y el jazz. No sólo es una vertiginosa película de 35 minutos repleta de historia, música y filosofía, también es uno de los puntos de partida del movimiento por los derechos civiles y el Black Power: en ningún filme anterior se confrontaba de manera tan directa y agresiva la identidad negra contra la hegemonía blanca como se hace en The Cry of Jazz (en la que, por cierto, hay gente del crew y actores blancos.) En más de un sentido es el primer paso del camino que luego recorrerían Melvin van Peebles o, más tarde, Spike Lee.

El swing, la vitalidad, la agresión y todo el mojo del jazz están ahí. Si fuese poco, la música corre a cargo de Sun Ra y su Arkestra. Polémico en todo sentido, además Bland (músico y compositor de tiempo completo, cineasta ocasional) plantea en su ensayo fílmico que el jazz está muerto. Un obligado para musicómanos, adictos al ritmo, mentes abiertas, corazones románticos, cinéfilos, teóricos y, evidentemente, junkies del jazz.

*Como bonus, hay una más que interesante entrevista con el director, Edward Bland, acá. Click and read: http://bit.ly/dLgWx7

Este sí es el soundtrack de mi vida.

2011-03-27T13:12:00.005-06:00

Es hora de dejar esos soundtracks de John Williams o de Philip Glass de lado. Venga, chica, arrójalos por la ventana. Préndeles fuego. Baila tap sobre esos discos. O regálalos a quien menos quieras. Pero no los pongas más.

No pongas esa cara. Soy un cinéfilo salvaje. Soy un monstruo de Ishirô Honda que devora filmes, un Morlock que sólo quiere consumir sonidos estridentes e imágenes en movimiento. Dame trivia, dame cine, dame MÚSICA POP.

Quema esos discos de Hans Zimmer. Escuchemos diez de mis soundtracks favoritos. Al terminar, la Bridget Jones que vive encerrada en ti estará convertida en una Meiko Kaji mortal: mira y mata, mira y mata. Abre oídos.

Domenico Scarlatti: Bête, La (La Bestia, 1975). La película es una maldita obra maestra del genio Walerian Borowczyk: el filme de época más perverso y perturbador, ever. La historia de amor y sexo entre una mujer y una bestia no sólo está narrada con la perfecta cámara del polaco, sino con un impresionante uso de la música barroca de Giuseppe Domenico Scarlatti (1685-1757): un clavicémbalo insistente, lascivo, virtuoso. Acciaccaturas imposibles, sonidos tan puros y tan inquietantes como en ninguna otra película. La película no es apta para estómagos débiles ni ojos frágiles; la banda sonora es para oídos que saben lo que quieren. La belleza. Y la bestia. Cinco estrellas. #

Akira Ifukube: Gojira (Godzilla, 1954). Compositor autodidacta, talento inigualable, Akira Ifukube (1914-2006) es uno de los indiscutibles en cuanto a bandas sonoras japonesas. La productora Toho le contrató para una de las series más icónicas de monstruos del inigualable Ishirô Honda: Gojira (o Godzilla, para los occidentales), que además de sci-fi grandioso eran un inteligente alegato contra la guerra atómica. A Ifukube le habría gustado que le recordásemos como compositor para orquesta sinfónica, pero es que esos acordes con los que abre Gojira son tan representativos del tokusatsu (sci-fi) y del daikaiju (cine de creaturas) como el monstruo mismo. Agreguemos que el mismo Ifukube creó el rugido de Gojira frotando un guante de cuero contra las cuerdas de un contrabajo. Maestro. #

Varios: The Harder They Come (Caiga Quien Caiga, 1973). Algunos insisten en que este fue el filme que puso al reggae en el mapa mundial, sacándole del underground y colocándolo como La Próxima Cosa Grande. Lo cierto es que esta música ya tenía algunos años sonando en Inglaterra entre skinheads y entendidos, pero la película de Perry Henzell, estelarizada por la superestrella jamaicana Jimmy Cliff, recordó las raíces de la música que sustituyó al jazz como la música cool de los bohemios y hipsters. La historia de un aspirante a músico arrojado a la vida criminal por necesidad fue cantada por la crema del reggae de la época (67-72): The Maytals, The Melodians, The Slickers, Desmond Dekker, Derrick Harriot, Scotty. Island Records lanzó el disco y fue un éxito gigantesco. Un clásico por donde se le vea. # #

George Gershwin: Manhattan (1979) Woody Allen, Nueva York y jazz resultan hasta redundantes acomodados así, en una sola frase. La extensa carrera del judío que todos amamos está llena de colosales momentos musicales: música a lo Nueva Orleans, días de radio, Django Reinhardt, memorias de polvo de estrellas. Pero, sin duda, una de las escenas definitorias del cine como arte y como emoción y como vida es la secuencia inicial de Manhattan. Y no sería lo mismo sin la majestuosa Rapsodia en Azul de George Gershwin resonando, rompiendo todo a su paso. Toda una declaración de intenciones. El cine se mide antes y después de Woody y Gershwin. La pieza, compuesta en 1924, fue un experimento en música moderna (así lo definió su señero compositor) y se convirtió, al instante, en música clásica. No vale la pena vivir sin haberse emocionado con la Rapsodia en Azul. No lo vale. Como tampoco lo vale si se ha dejado pasar Manhattan, la Gran Película del XX. #

Goblin (con Giorgio Gaslini): Profondo Rosso (Rojo Profundo, 1975) El rock progresivo no hace nada por mí. Absolutamente nada. O tal vez sí: en algunos casos me marea y me hace sentir mal, debo correr al lavabo y jurar sobre todos mis muertos que jamás escucharé algo así. Así que resulta sorprendente que esta lista incluya a Goblin, un grupo progresivo (¡¡!!) italiano (¡¡!!) que, empero, hicieron música notable para varias geniales películas (entre ellas Buio Omega, una favorita personal), sobre todo del sensacional Dario Argento. No puede negarse que Profondo Rosso es brutal, maravillosa, y la banda sonora ayuda mucho, resaltando aquí y allá la intriga y el horror de uno de los gialli más reconocidos. Sintetizadores moog, melotrones, guitarras con distorsión, baterías aceleradas, instrumentos extravagantes y una gran sección de cuerdas (cortesía de Giorgio Gaslini), hacen un soundtrack de terror atípico pero inolvidable. ¡A por él! # #

Varios: Rushmore (1998) Una película cuya secuencia de créditos iniciales va acompañada de Making Time de The Creation es ya una ganadora, así trate de saltamontes autistas. Segundo largometraje del universo Wes Anderson (y con un inspiradísimo Bill Murray liderando el cast), es una obra anorak para anoraks. Una gran historia que avanza a un bellísimo e inevitable desenlace entre canciones de The Kinks (Nothing In This World…), Chad & Jeremy (A Summer Song), Unit 4+2 (Concrete and Clay), The Who (A Quick One…), Cat Stevens pre-Islam (Here Comes My Baby), Yves Montand (Rue St. Vincent), The Faces (Ooh La La), Donovan (Jersey Thursday), los Stones (I Am Waiting) y hasta el lado más juguetón y divertido del casi siempre insufrible Lennon post-Beatles (Oh Yoko). No hay manera de fallar. Por ahí hay piezas de Vince Guaraldi, Django Reinhardt y Paul Desmond que, por supuesto, son una gozada. Una película de justificado culto. # # #

Curtis Mayfield: Superfly (1972) El blaxploitation cinema fue transgresor en casi todos los sentidos: era un cine violento, sexual, anti-establishment y negro. Uno de sus personajes ícono, Superfly, nació en una época feroz bajo la lente del agudo Gordon Parks Jr. Un dealer negro que quiere dejar su sórdida vida atrás y comenzar de nuevo fue el pretexto para crear un héroe del cine moderno y, además, dar al mundo uno de los mejores soundtracks de la historia de la humanidad: Curtis Mayfield, cuyo nombre puede mover montañas, compuso una serie de canciones increíbles sobre nuestro hombre y nuestro mundo. Elocuente as hell, sincero y funky, Mayfield nos regaló clásicos como Superfly, Freddie’s Dead o Pusherman. Podrás dejar pasar la película, pero la música, nunca. Un disco a la altura del What’s Going On de Marvin Gaye, el mejor disco que ha hecho hombre alguno. Ya dije. # #

Varios: Urgh! A Music War (1981) Está bien, admito que con este estoy haciendo trampa, pero no puede dejarse fuera. Más que una película formal, Urgh! es un documental de Derek Burbidge acerca de los grupos más ruidosos, extravagantes y geniales del post-punk y la new wave. Grabado en concierto en Londres, Nueva York, Elei, y prácticamente en cualquier gig en el que el equipo de grabación pudiese entrar, es un documento imprescindible para cualquier fan de la música de guitarras. Ahí están The Police, por supuesto, pues ellos financiaron el proyecto, pero son claramente opacados por grupazos y genios como The Cramps, Magazine, Pere Ubu, Klaus Nomi, Echo & The Bunnymen, The Fleshtones, XTC, The Go Go’s, Gary Numan, OMD, Chelsea, Wall of Voodoo, Au Pairs, Surf Punks, Steel Pulse, Devo, X, Gang of Four, Athletico Spizz 80, Jools Holland, John Cooper Clarke, Oingo Boingo, la ridícula Toyah Wilcox, The Members, 999, Splodgenessabounds, UB40, The Alley Cats, John Otway y hasta una rareza, Invisible Sex. Si después de esta lista de nombres no corres a por ella, no sé de qué te tratas. # # # #

Manfred Hübler y Siegfried Schwab: Vampyros Lesbos (1971) Las cintas de Jesús Franco o las amas o las odias. Yo soy de los que prefieren hacer lo primero. Este pervertido español que asegura ser la inspiración para el personaje de Yoda en Star Wars y que presume de un currículum de más de cien estilizadísimas películas de explotación (vampiros, zombies, strippers, prostitutas, adictos y toda clase de corrompidos) es un geniecillo que logró un exitazo con Vampyros Lesbos, sugerente película sobre, claro, vampiras lesbianas. La banda sonora de Hübler y Schwab, una especie de uneasy listening, lounge de castillo transilvano, hip y muy sexy, patea traseros a diestra y siniestra. Tan clásico, funky, depravado y contagioso como la película. Soledad Miranda, princesa europea de los skin flicks, nunca estuvo mejor. # # # #

Varios: Wild Style (1983) Fue la primera película hip-hop y es un clásico underground. De argumento tiene poco y más bien es pretexto para mostrar al mundo de qué se trataba esta música tan nueva y excitante, de su ropa, su lenguaje, sus calles y los cuatro pilares de la Comunidad: el breaking, las rimas, las tornamesas y el graffiti. Es increíble. Sobra decir que la banda sonora es esencial. Ahí va otra gran lista: Grandmaster Flash, Fab 5 Freddy, The Cold Crush Brothers, The Rock Steady Crew, Fantastic Freaks, DJ Grand Wizard Theodore, Rammellzee, Shock Dell, Busy Bee, Rodney Cee. Como para caer fulminado. Es una Biblia para muchos y si enlistara a todos los artistas que admiten su influencia, no acabaríamos nunca. Por eso, mejor tira esos discos de John Williams y escuchemos estos diez. Mis diez, por ahora. Ya luego te presentaré los otros diez. O veinte. Vale la pena. # # #

-Esteban Cisneros.

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 14 de enero de 2011.

Jazz on a Summer's Day.

2011-03-20T19:23:00.004-06:00

Jazz on a Summer's Day (1960) es un pedazo de historia en cine. Filmado y dirigido por Bert Stern, uno de los fotógrafos más importantes del XX (entre sus modelos han estado Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor y Sue Lyon haciendo de Lolita), es un documental sobre el Festival de Jazz de Newport en Rhode Island de 1958. El filme usa pietaje de la ciudad de Newport, de la competencia de yates por la American Cup y, por supuesto, de las actuaciones de gigantes como Jimmy Giuffre, Thelonious Monk, Sonny Stitt y Sal Salvador, Anita O'Day, George Shearing, Dinah Washington, Gerry Mulligan, Big Maybelle, Chuck Berry, Chico Hamilton, Louis Armstrong, Jack Teagarden y Mahalia Jackson.

Stern y Aram Aviakan (co-director) filmaron simultáneamente con 5 cámaras distintas a todo color. El jazz no es siempre en blanco y negro. Disfrutad.

I Can't Don't Want To Faster! Entrevista a Bart Mendoza*.

2011-03-14T17:13:00.006-06:00

Bart Mendoza nació en San Diego, California, un 5 de septiembre de 1962. Vaya año para nacer: uno lleno de mitos del Mundo Moderno. En 1981, fundó el grupo de mod revival Manual Scan, toda una leyenda. Tras la desbandada, en 1991 comenzó con un nuevo proyecto vital, The Shambles, en la misma vena melódica que siempre le ha caracterizado. Desde entonces, sus colaboraciones a La Música no han parado: periodista musical, productor, recopilador, cabeza de un sello discográfico y, por supuesto, cantante y guitarrista poseedor de un sonido único.

Hemos escuchado historias pero, ¿cómo era San Diego en los ochenta, cuando Manual Scan y The Tall Tale Hearts estaban por convertirse en La Próxima Cosa Grande?

En ese tiempo se trataba sólo de vivir. Mirando atrás, fueron días increíbles. Parecía haber mucha más libertad que ahora. La escena moderna estaba siendo apenas forjada. Aunque ninguna de las bandas lo hizo tan en grande, se hizo un montón de música genial y los músicos eran de algún modo notorios a nivel nacional. Ahí estaban The Tell Tale Hearts en la revista People y Manual Scan en el soundtrack de A Girl To Kill For. Cuando organizamos el New Sounds Festival se congregaron tantos grupos y tantas personas de fuera de San Diego que realmente fue el punto central de la escena Sixties en EEUU por algún tiempo. He archivado una buena cantidad de objetos de aquella época y es interesante ver cuánta cobertura mediática tuvieron las bandas y también la Escena – ese apoyo, de periódicos locales, TV y radio probablemente explique lo grande que fue.

El New Sounds congregaba cientos de personas. San Diego tenía un increíble montón de gente y de bandas concentradas en un área y con los gigs, esto creció. Tengo una foto en algún lugar que retrata a una multitud en un concierto. En primer plano está Jeff Conolly de las leyendas de Boston, Lyres. Moviéndose a la derecha es un miembro de la sensación del medio-oeste The Untamed Youth. En el fondo, estoy hablando con Carl Rusk de los Nashville Ramblers. Estábamos esperando a que se reanudara el evento. Así era ese lugar. Fiestas, gigs, fue realmente impresionante.

¿Qué es lo que más se extraña de esos días?

Sí me da por mirar atrás de vez en cuando, particularmente en honor a amigos que ya se han ido. Pero siempre es divertido pensar en cuando eras joven y despreocupado, aunque ahora estoy, por lo general, inten-tando escuchar mucha más nueva música, incluso si es en reediciones. Dicho eso, lo que probablemente extraño más es ir de gira. Aún me sorprende haber sobrevivido a algunas de nuestras aventuras. Lo pasa-mos muy bien y tuvimos road managers geniales, como Mike Rice y luego Josh Entreken.

Has producido montones de bandas y de discos recopilados con nuevos artistas de San Diego, algunos notables. Incluso tienes un sello independiente, Blindspot Records. ¿A quién nos aconsejas seguir ciegamente? ¿Quién es la Próxima Cosa Grande?

Hay tanta música sonando en estos días que resulta difícil seguirle la pista a todo, pero nuevos grupos que me emocionan incluyen a grupos de San Diego como The Modlins, Power Chords, Echo Revolution, Lady Dottie & The Diamonds y The Creepy Creeps, y algunos nacionales como The Ugly Beats, The Lola’s y New Fidelity. Pero, probablemente, mi canción y mi video favoritos de los últimos años es Cruel Girl de The Red Button.

Debieron ser cientos pero, ¿podrías contarnos un momento gigantesco de la época de Manual Scan?

Tienes razón, fueron muchísimos momentos, pero uno que nunca voy a olvidar es haber tocado en el Marquee, en Londres. Aunque fue una edición tardía del lugar, fue una emoción gigantesca ir hacia el escenario desde nuestro camerino. Debo decir que palomear en directo con The Plimsouls (¡dos veces!) queda muy arriba en la lista, también. El show más salvaje fue posiblemente en Tijuana con The Untouchables.

Eres también escritor. De tu pluma han salido varias biografías, liner notes para discos y artículos de rock and roll. ¿Cómo describirías el sonido de The Shambles en cinco líneas?

Long running.

Guitar oriented.

Sixties and seventies influenced.

Melodically inclined.

Ongoing.

¿Qué te atrajo del Mundo Moderno?

Comencé a vestirme como un modernista por una fascinación adolescente, a mediados de los 70, por The Zombies. Un vecino me prestó un par de sus álbumes y no solo me enamoré totalmente de su música, también de su look, particularmente el de Paul Atkinson. Después, claro, me perdí en el look y el transporte de los Mods. Fui director de programación de la radio estudiantil en la high school y recibía discos promocionales de singles del primer disco de The Jam, que luego versionamos en ensayos. Así como amaba los sonidos mods vintage, descubrí que los grupos contemporáneos de mod, garage y powerpop eran realmente excitantes. Durante esos años vivíamos para ver a 20/20, The Plimsouls, The Knack, Paul Collins Beat, The Crawdaddys y luego a grupos como The Bangs, Untouchables, Three O’Clock, Question…

¿Vinilo, CD o mp3?

Vinilo, por supuesto, es mi favorito - es como la música fue hecha para escucharse. Con todo, me gustan los CD’s por conveniencia, duración y por todas esas bonus tracks en las reediciones. Y, lo siento, pero los mp3 no suenan nada bien.

¿Cuál es tu bebida?

Ya no bebo, pero en mis días una Guinness Black & Tan o una Watneys funcionaban cada vez. Ya no bebo cafeína tampoco, pues soy un insomne masivo e irredento y no dormiría absolutamente nada.

¿Vespa o Lambretta?

Sólo Vespa, vintage. Nunca he conducido un auto (bueno, una vez, por apenas una milla o algo así, en una apuesta) pero con una scooter cosas como ser capaz de obtener partes aquí y allá y la facilidad del servicio son importantes. He tenido dos, ambas 1979 P-200’s. La primera –que era azul– fue destruida hace trece años al golpearme un auto. Mi modelo plateado actual es mi medio de transporte diario, incluso a los gigs si no necesito llevar amplificadores.

¿John Lennon o Paul McCartney?

Sin duda Paul. En los Beatles los considero iguales, pero entre 1970-1979, Paul tuvo una racha de una gran canción tras otra, mientras que John hizo álbumes como Sometime In New York City…

¿Stax o Motown?

Amo ambas, pero para bailar tiene qué ser Stax. Hay más rudeza y energía en muchísimas de sus canciones. Dicho eso, no bailo ya mucho, por el incidente de la Vespa.

¿Qué actor famoso está mejor calificado para interpretar a Bart Mendoza en una biopic?

Esa es difícil. Sería más sencillo resucitarme.

¿Cuál fue la última película no-musical que te estremeció?

No veo realmente muchas películas que no traten sobre música. No recuerdo la última que vi, pero han pasado años. Estoy tan envuelto en música que no tengo tiempo para otra cosa. Si no estoy en un estudio, estoy en un show, o trabajando en una historia. Eso me consume cada hora.

¿Tienes algún placer musical culposo?

Soy gran fanático del Pop, sobre todo en 7”, así que básicamente adoro una tonada pop bien hecha, no importa de quien sea. Cosas como Girl de The Osmonds, Get Down de Gilbert Sullivan o (Anthony’s Song) Movin’ Out de Billy Joel son grandes canciones, si debo nombrar tres…

Eres fanático de Cri-Cri. ¿Cuál es su canción que más te gusta?

¡Fácil! El Ratón Vaquero. No estoy seguro por qué, pero las primeras líneas de la canción se han quedado conmigo durante toda mi vida. Una copia de sus álbumes es una de mis posesiones más preciadas. Me gustaría versionar alguna de sus canciones. Algún día…

Has trabajado en tiendas de discos, eres músico y un obsesivo nerd musical (todas, cosas que admiramos), así que las siguientes tendrían que hacerte sufrir… ¿Podrías nombrarnos 10 discos? Tu All Time Top-10.

De hecho, hay tantos favoritos que cambian día a día, pero ahí van unos pocos que influenciaron tremendamente a mi música y que siempre menciono de uno y otro modo en las listas que armo:
*The Action, The Ultimate
*Big Star, #1 Record
*Los Brincos, Contrabando
*The Jam, Sound Affects
*Jellyfish, Spilt Milk
*The Lola’s, Ballerina Breakout
*Emitt Rhodes, Emitt Rhodes
*Velvet Underground, Velvet Underground & Nico
*Wire, Chairs Missing
*Yes, Fragile
*The Zombies, Featuring She’s Not There

¿Y diez singles?

Mismo problema, misma respuesta:
*Cilla Black, It’s For You
*The Hitmakers, Grow Up With Me (EP)
*Hoodoo Gurus, Like Wow / Wipe Out
*The Kinks, Deadend Street
*Gilbert O’Sullivan, Get Down
*The Penetrators, Untamed Youth
*The Plimsouls, Now
*The Rain Parade, What’s She’s Done To Your Mind
*Scarlet Party, 101 Damn Nations
*Superdrag, Keep it Close To Me
*The Sweet, Action
*Swingout Sister, Break Out
*The Times, There’s A Cloud Over Liverpool
*Wings, Jet

¿Cuál es la joya de tu colección?

Posiblemente un álbum de The Scottsville Squirrel Barkers, un disco bluegrass que incluye a un joven Chris Hillman. Pero hay otros contendientes fuertes… Tengo numerosos acetatos y test pressings, así como cosas que no son necesariamente valiosas, pero sí imposiblemente raras…

¿Cuál es el disco que sigues buscando y no has encontrado?

Honestamente, no busco cosas per se. Ya tengo una colección gigante (tres habitaciones de música y memorabilia en mi despacho/almacén) así que en este punto ya es más lo que me topo que lo que me interesa. Escucho de todo de clásica a pop (de Samuel Barber a Steely Dan) pero colecciono ávidamente grupos mod/garage y singles 7” de powerpop, especialmente grupos nuevos, pues son más difíciles de encontrar hoy día. También, si un disco es de San Diego, necesito una copia en mi colección, sin importar qué tipo de música es.

¿Tienes alguna portada favorita?

No precisamente. Pero me gustan las que son mucho más que una pose, como las que han diseñado los de Hipgnosis o las que hizo Klaus Voorman. Cualquier cosa con imaginería de Henry Diltz o Ethan Russell es sorprendente. Por otra parte, soy un gran fan de Roger Dean.

*Publicado originalmente en La Trampa del Bulevar #2, fanzine en papel. Noviembre de 2010. Entrevista por Esteban Cisneros.

Nancy Dupree: A la maestra con cariño.

2011-01-07T15:27:00.013-06:00

La educación es un tema controvertido, siempre. Por un lado, el sistema esco-lástico sigue topándose con un cul de sac inevitable; por otro, es evidentemente una necesidad ya no para el progreso de una socie-dad, sino para la super-vivencia de la misma. Así de mal estamos.

Nancy Dupree fue una educadora afroamericana, nacida alrededor de 1936, en el Sur de los Estados Unidos. Desde niña descubrió que lo que iba con ella era aprender. Leer. Devorar cualquier cosa impresa, buena o mala, para acumular, asimilar y ser. Escribía, también. Escuchaba, veía. Hablaba. Tenía una necesidad casi fisiológica de literatura, de poesía, de gran música. Los conflictos raciales del norte influyeron, por supuesto, en estas ansias de entenderlo todo.

En 1964 decidió mudarse al norte, a Rochester, Nueva York. Lo que encontró allí distaba del ideal tolerante de up there que se tenía down south: había también violencia, racismo y saqueos. La Escuela Pública No. 4 de Rochester vivía en este ambiente cuando Nancy Dupree entró como maestra de música. Y ahí comenzó una de las historias más fascinantes.

Miss Dupree, una alienígena en un sistema dominado por los blancos, se convirtió en una de esas cosas que hacen BUM que hacen falta para destrozar la ignorancia y los prejuicios. No sólo enseñaba música en la manera ortodoxa, do-re-mi, sino lo que se podía hacer con la música como medio perfecto. Un arma perfecta, cuando se usa sabiamente.

Comenzó a enseñar historia, y canción, desde la perspectiva negra: Luther King, Malcolm X, Cassius Clay, Nina Simone, James Brown, Leontyne Price, Ella Fitzgerald, Odetta. Enseñó solfeo, pero también poesía. Logró que el coro de la escuela cantase a tono, pero sobre todo, logró que cantasen de cosas importantes.

Sus alumnos no sólo aprendieron a cantar el Mary Had A Little Lamb, sino que escribieron sus propias canciones. No importaba que fuesen en una escala simple, con tres acordes, ni que la cantaran con la voz quebrada, mientras dijesen cosas suyas y de nadie más. Nada de tópicos gastados, ni de más historias del hermano oso, ni canciones infantiles. Esto iba en serio. Cuando el lugar común dice que hay que educar mentes y almas porque en la juventud está el futuro, se refiere a esto. No a las hipocresías de siempre.

Así, Dupree juntó un puñado de canciones escritas y cantadas por su grupo en la Escuela No. 4, entre las calles Gennessee y Jefferson de Rochester, con Dupree al piano. Los jóvenes cantaban sobre sus cosas, no las impuestas por el mundo adulto: sus preocupaciones, sus dudas, sus héroes, sus preguntas y sus derechos. Todo sin dar un solo grito, ni infringir castigo alguno. Todo hecho con pura convicción, honestidad y música.

Surgió la idea de grabar estas canciones, que no gustó mucho al director del instituto. Lo que hacía Miss Dupree no gustaba mucho al consejo, ni a los otros maestros. Era demasiado directa, demasiado segura de sí, hablaba claro. Los niños le querían. Su afro y sus tacones altos, además, parecían encarnar ese grito de say it loud, I’m black and I’m proud. Pero ella persistió. Envió una demo de las grabaciones a algunas disqueras locales, que la rechazaron. ¿Qué clase de éxito podía tener una grabación así?

Por fortuna, existía Folkways, un sello neoyorquino fundado en 1948, cuya misión era difundir música folk, grabaciones infantiles y world music difícil de encontrar. Puede atribuirse al sello que el folk a lo Leadbelly o Pete Seeger se haya popularizado de tal manera a inicios de los 60 en la Costa Este. Miss Dupree logró, en su muy peculiar manera, que el disco de sus muchachos se publicara.

Ghetto Reality (Folkways, 1970) fue no sólo evidencia de lo hecho por una maestro decidida, con criterio, y sus alumnos bajo su influencia; también es un disco importante e histórico aunque, por supuesto, nada popular. El título, elocuente y sincero, es todo lo que incluye el disco: realidad. Hay canciones sobre el impacto de Luther King (y de su asesinato), sobre James Brown (un épico himno que incluye a los chavales gruñendo a lo Rey del Soul), sobre lo que quieren para Navidad (juguetes y libertad ya, freedom now) y un himno llamado What Do I Have en la que se expresa, con todas sus letras, el orgullo negro que Miss Dupree les inculcó.

Hoy día encontrar un disco original es casi imposible. Una joya. Sin embargo, es posible comprarlo en CD en el sitio de Folkways (que en los 80 fue adquirido por el Smithsonian.) Y posiblemente sea sensato hacerlo. Créame.

Tras el disco y después de varios años de revolución, Miss Dupree fue despedida de la escuela. Una tragedia. Siguió, con todo, imparable. Se convirtió en activista. Se dice que se unió a las Panteras Negras. Recitó y escribió poesía. La grabó. Se convirtió en uno de esos personajes anónimos que, no obstante, influyeron en cualquier persona que conoció. Y en 1980, murió de leucemia. Ninguno de sus familiares supo que estaba enferma hasta que fue muy tarde. Ella nunca les habló de eso.

Miss Dupree, aún ahora, sigue siendo un ícono para quienes la conocieron, que fueron pocos, y un misterio para otros pocos que han sabido de su existencia gracias a fanáticos, obsesivos y arqueólogos del sonido y de la historia moderna. Pero tal vez estas historias deberían de difundirse más. Porque necesitamos gente así en un mundo como este.

To lady, with love. Por su filosofía, su lust for life, su música y por las vidas que moldeó. Una para usted, señorita Dupree.

Gracias especiales a Michael R. Neault y a Dante Soulcialista por las primeras nociones de Miss Dupree: el primero, por su artículo en la revista Yeti –sensacional– que inspiró al segundo a hablarnos de ella.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 22 de octubre de 2010.

¡Buen 2011!

2010-12-31T19:09:00.001-06:00

Pasadlo en grande.

Descarga: La Trampa del Bulevar, fanzine, No. 2.

2010-12-21T16:14:00.007-06:00

La Trampa del Bulevar, fanzine, No. 2, ya está disponible también en descarga digital en .pdf, para que no te la pierdas. Y así, haz las copias que sea necesarias para que circule.

El tercer issue (que el primero fue el No. 0) del fanzine que lo vale contiene textos, además del crew habitual, de Javier Morales (Ecos de Sociedad) con un capítulo inédito de la novela En el Sol; Miqui Puig, que escribe sobre zapatos, una obsesión incurable; Dante Soulcialista, que nos advierte People Get Ready; Andrés Baldíos, que recupera la tremenda historia de Sacco y Vanzetti desde su autoexilio en Pepperland; y Eduardo Delgado, con un sentido y rabiosamente personal homenaje a esos good old days llenos de ska y cerveza.

En breve tendremos, también, más copias en papel y puedes pedirlas en el correo electrónico latrampadelbulevar@gmail.com.

Descarga La Trampa del Bulevar No. 2 (.pdf) haciendo clic acá.

Play: Synthetic Pleasures, Jeux Interdits and Pop Aesthetics.

2010-11-29T21:20:00.010-06:00

La Trampa del Bulevar presenta
Play: Synthetic Pleasures, Jeux Interdits and Pop Aesthetics (LTdB 002)

Segundo acoplado de la Trampa del Bulevar, siguiendo fieles a la idea de empaquetar obsesiones, hacer collages sonoros como cuadernos de recortes de quinceañera, como instalaciones dadaístas, como mapas para perderse. Play: Synthetic Pleasures, Jeux Interdits and Pop Aesthetics pretende ser, de nuevo, una banda sonora para un grandioso (s)exploitation film imaginario. Más obsesiones retrofuturistas, B-movie looks, ritmo y desenfreno. Juegos prohibidos, absinthe y castillos en lugares excéntricos. Shagadelic. 27 pistas recopiladas por el visir de la elegant trash E.C. D'Amato y The Borowczyk Consortium. Bestial.

Incluye tracks de Luboš Fišer, Mark Murphy, Nico Fidenco, Abraham and the Metronomes, Chuck Miller, Bruce Haack, The Graham Walker Sound, Brute Force, Collage, Pierre Bachelet, The Stereos, Nino Nardini, Ophélia, Lee Dorsey, Maria Dallas, Bonzo Dog Doo Dah Band, Herschell Gordon Lewis, Bob McFadden & Dor, Jean-Pierre Mirouze, Tobie Columbus, London Underground, Raymond Scott, Bernie Green & His Orchestra, The New Formula, Alfonso Santisteban y The George Mitchell Singers.

Descarga AQUÍ.

* Los tracks posteados aquí son utilizados solamente para propósitos de evaluación y sin fines de lucro. El usuario, al bajar el archivo, se compromete a eliminarlo en un plazo no mayor a 24 horas, no nos hacemos responsables del uso que este pueda darle.

Sensation No. 5.

2010-11-12T12:58:00.005-06:00

Acción. Movimiento. Creación.

Guitarras. Raros peinados nuevos. Vamos a bailar y que se joda todo lo demás. Todo.

Somos demasiado siglo XX, chica. Seguimos creyendo en la música de guitarras discordantes. En canciones pop de tres minutos. En discos viejos de plástico negro, tan pequeños que caben en tu bolso. En la velocidad. En que una canción puede decirlo todo gritando. Todo.

Somos tan siglo XX que resulta hasta un poco patético. Vamos por ahí con nuestros flequillos, nuestros jerseys negros, tejanos estrechos, gafas; ahora que enfría una trenka, una parka, un abrigo encontrado en una segunda mano decente. Zapatos bien elegidos. Una canción en la cabeza, en las manos, en la boca. Cantando himnos elusivos, no impuestos.

Hablamos del blues, porque aún lo sentimos cuando duelen la panza y el corazón; hablamos del soul porque no hay otra cosa, body and soul and mind and ass… Hablamos del jazz porque swing, ergo soy; del ritmo, preciso, incesante, mueve-los-pies así; del ruido, primordial, visceral: lo uno y lo plural, el espanto y el placer. Sibaritas del beat. Dandies (entre basura) de la lisergia y las guitarras Rickenbacker y los estribillos y las letras combativas. En mi habitación hay una mayor revolución que en todos sus golpes: en mis discos de plástico negro, los pequeños que caben en tu bolso y los grandes que cargamos bajo el brazo como libros de texto que sí funcionan, armas de la Mind Guerilla; en mis libros, llenos de íconos pop, de nombres, de Andrei Rublevs del XX pero con nombres pop en noruego, en sueco, en japonés, en inglés; de color, de conjuros funcionales, de Allens, de Salingers, de Dharma Bums, de Fischers, de Wolfes, de Artauds, de Rimbauds, de Spiegelmans, de Baileys. De Mel Ramos y Warhol y Keith Rylatt y guías para el viajero intergaláctico y catálogos de discos y libros sobre cine viejo.

Somos muy siglo XX, chica, porque –gracias a Otis– no hemos perdido nuestro sentido del asombro. Y lo mismo nos va el peinado genial de esa chica que cruzó la calle que ese disco encontrado en un bazar; lo mismo ese genial aparador que esa canción que da sentido al día, verso-coro-verso, ese Hammond que siempre entra a tiempo por más que le retemos y esa voz negra, inimitable, eufórica, obra de arte de belleza casi demoníaca que (por suerte) un micrófono recogió. O esa película, blanco y negro, lenta, esas caras esas manos esa boca esas palabras o aquella otra que vivimos ante la gran pantalla, technicolor, frantic, pura felicidad.

Estamos fuera de lugar en este sanatorio, orates que no saben escuchar, majaras que creen tener la razón porque llevan la camisa limpia, imbéciles que ya no tienen tiempo para un buen disco, una taza de té, una canción de Action Painting!, un buen follón. No entienden el Groove. No entienden la maldita adrenalina (o lo que carajos sea) de esa línea de bajo de James Jamerson. No entienden cómo todo puede irse a la mierda cuando canta Syd Barrett, voz quebrada, colocada, glorioso monoaural reventando los parlantes.

Somos muy siglo XX, lo siento, porque aún se nos da llorar. Y lo hacemos, qué putas importa, sólo por ese acorde, sólo por ese concierto, sólo por ese recuerdo; ritmo y blues, ritmo y blues, ritmo y blues. Y tú, toda la noche girando –a veces llorando porque no podías soportar que esa voz fuese tan perfecta, a veces bebiendo de tu escocés ya casi tibio, a veces gritando porque era lo único que se podía hacer– y levantándote por los aires como un balón pateado por Cruyff, como un enceste de Bird, como un home-run de Babe Ruth; y luego buscando abrir la puerta de casa, muy de mañana, el ritmo aún latiendo en la cabeza el corazón las tripas y durmiendo como un piano abandonado, olvidando todo, para despertar y portar (en domingo, claro) ese jersey de rugby –rayado dónde está Wally, rayado prisionero de película muda, rayado de dulce de menta, de equipo de ensueño– y andar por la cocina preparando café y poner a girar ese elepé de Muddy Waters. Porque tienes el blues, el blues, porque anoche se ha acabado y ya no suena Brenda Holloway. Y pones tu cara de Anna Karina triste, los ojos de sapo de Buster Keaton queriéndose salir de puro blues, extrañando la sbornia inmaculada del weekend, las salas de cine vacías, los bazares, las librerías de viejo y gato, las salas ajenas –con tocadiscos– llenas de singles de Motown y de grupos escoceses que cantan sobre teatro y nueva ola, los pretensiosos. Pretensiosos nosotros también, un poco. Un mucho. Qué más da.

Somos los chicos de los discos, los del sábado, the fashion of the outcast, los que aún pegan afiches en sus habitaciones (realmente pequeñas), los corbatos, los polvorientos, La Pinta Completa, los padrinos, los justicieros del ritmo; somos La Vieja Ola, sha la la, el Underground de Mediodía, el último grito, los principiantes absolutos, La Próxima Cosa Grande, los likely lads, eternos teenagers con fiebre, secret agents, Modernistas, héroes.

Chica, ya hablé demasiado. Vamos a bailar. Ésta es la canción.

C/S.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 12 de noviembre de 2010.

Reggie King (1945-2010.)

2010-10-26T12:24:00.001-05:00

We'll keep on holding on, Reg!

Fanzine: La Trampa del Bulevar, No. 2.

2010-10-13T21:41:00.000-05:00

Cuánto tiempo habíamos esperado para dar la buena noticia. No más ansia. Y al asunto: el nuevo número de La Trampa del Bulevar, en papel, está listo y en las calles. Tercer issue (el primero fue el No. 0) del fanzine que lo vale. En esta ocasión colaboran, además del crew habitual, Javier Morales (Ecos de Sociedad) con un capítulo inédito de la novela En el Sol; Miqui Puig, que escribe sobre zapatos, una obsesión incurable; Dante Soulcialista, que nos advierte People Get Ready; Andrés Baldíos, que recupera la tremenda historia de Sacco y Vanzetti desde su autoexilio en Pepperland; y Eduardo Delgado, con un sentido y rabiosamente personal homenaje a esos good old days llenos de ska y cerveza.

El método para que puedas tener una copia es el mismo de siempre: puedes intercambiarlo por unas cuantas monedas ("could you spare some cutter, me brother?") o por material que consideres interesante: otro fanzine, hoja informativa, revista, cancionero, CD-R, mixtape o memorabilia. Tú dices.

Contáctanos en latrampadelbulevar@gmail.com.

Tenebrae Factae Sunt

2010-10-01T13:34:00.007-05:00

Pascal Aubier, realizador francés, comenzó su carrera como asistente en Paris Vu Par, un omnibus film que dirigieron Jean Douchet, Jean Rouch, Jean-Daniel Pollet, Éric Rohmer, Claude Chabrol y Jean-Luc Godard. Con éste último trabajó también en la tremenda Pierrot Le Fou y en Masculin Fémenin. Precisamente en el estreno de esta película en las pantallas francesas fue que hizo su debut Aubier, con un cortometraje, Tenebrae Factae Sunt. Popular de un tiempo a esta parte gracias a la Internet, se trata de 11 minutos de estridente música de Les Ingoes, un oscuro grupo de freakbeat, y un puñado de jóvenes parisinos (¿beatniks? ¿mods? ¿exis?) bailando y fumando. Un bonito documento de los sesenta franceses, fuera del estereotipo ye-yé.

Puede verse haciendo click acá, en la Tofu Magazine.

The Set: Exploding Sound and Noise.

2010-08-31T18:16:00.011-05:00

La Trampa del Bulevar presenta
The Set: Exploding Sound and Noise (LTdB 001)

La idea de hacer una recopilación de nuestras obsesiones fonográficas del momento para subir al blog ya rondaba desde sus inicios. Por una o por otra, cuestiones que no se discutirán aquí, no había sucedido. Hasta ahora. The Set: Exploding Sound and Noise pretende ser una banda sonora para un gran filme imaginario: jazz, (un)easy listening, psicodelia, funk, soundtracks, early electronica... Obsesiones retrofuturistas. Moloko plus para noches de vértigo. Música de coctel con ácido: hammonds, moogs, cítaras, artefactos marcianos, guitarras con fuzz. 27 pistas recopiladas por los científicos del ruido S. Godina & The Buio Omega Set, sin desperdicio. Groovy as hell.

Incluye tracks de Akira Ifukube, James Brown, Gabor Szabo, Peter Cook & Dudley Moore, Manfred Hübler & Siegfried Schwab, Raymond Scott, Sunforest, Rhoda Scott, Les Roche Martin, Alan Hawkshaw, Jorge Ben, Cherry Wainer, Les Mogol, Ernestine Anderson, The Marketts, Mike Melvoin, Goblin, Bruce Haack, Anita Kerr, Christiane Legrand, Jean-Claude Vannier, Pugh Rogefeldt, Heidelinde Weis, Silver Apples, Hazy Osterwald Jet Set y The Smart Set.

Trans-Europ-Express.

2010-07-22T13:45:00.012-05:00

A 50 años de que la Nouvelle Vague francesa apareciese en las pantallas europeas, sigue resultando tan refrescante como entonces. Sus detractores podrán decir que las películas hechas bajo esta filosofía han envejecido, algunas incluso mal, y palidecen ante el ritmo, las temáticas y los efectos visuales del cine actual. Pero eso está lejos de la verdad. Si bien el cine de Truffaut, Resnais, Godard, Rohmer, Rivette o Chabrol es claramente hijo de su época, no quiere decir que su revolución haya pasado. Está claro que Sin aliento o Los 400 Golpes no tienen ya el efecto que a finales de los 50 e inicios de los 60 del XX. Aunque, sin duda, han no sólo envejecido bien, sino mejorado con los años, dando perspectiva a la época, al cine y a la cultura: son, hoy, documentos esenciales para saber cómo es el Hombre y artefactos de culto por lo icónico de su imaginería. Son el epítome del cool de mediados de siglo, la superficialidad total del dandismo más concienzudo.

No es absurdo regresar al cine pasado, sin nostalgia y sí con ojos bien abiertos, para construirnos una realidad hoy. Lo es menos cuando el cine de corporación ha regresado a métodos de hace 50 años para atraer al público, como el popular 3D (está claro que la tecnología de hoy no puede compararse, pero no es el punto de este texto.) Y, además, con narrativas tan novedosas hoy como entonces, hay demasiados filmes sorprendentes aún en videotecas, bibliotecas, videoclubes o en los estantes del padre o el abuelo. No hay tiempo para aburrirse.

Todo esto viene a cuento para poder hablar de Trans-Europ-Express (1966), una pequeña joya, y de Alain Robbe-Grillet, todo un artista. Comencemos con él. Más literato que fílmico, artífice del Nouveau Roman (La Nueva Novela), su fe en lo Kinético en todo sentido era casi una calentura adolescente: el movimiento como fenómeno físico, como metáfora, como política y filosofía eran Lo Único. El sentido de las cosas.

Pero para Robbe-Grillet movimiento no era lo mismo que velocidad - una de las características más fundamentales de la Nouvelle Vague. El movimiento, en sus textos, se lee en su escritura de flujos de conciencia y en la negación de lo viejo, lo muerto. El lector, por supuesto, se convierte en un personaje más, tomando parte en la kinesis desde la primera frase. Incluso su guión fílmico más célebre, El Año Pasado en Marienbad (dirigida por Alain Resnais, 1959) rompe la entonces muy discutida cuarta pared de un modo sutil, exigiendo a la audiencia involucrarse con una historia vaga y un problema sin aparente solución - porque la solución está en la interpretación de un público activo. Robbe-Grillet y Resnais querían retar a un público pasivo que, tras más de 100 años de cinematógrafo, sigue hoy sentándose con actitud de rey arrogante ante una operetta: entreténganme. Arma de dos filos, porque el entretenido puede resultar burlado.

Marienbad sigue siendo un cult film que divide, pero su constante revisitación por fanáticos, críticos, cineastas y artistas no es casual ni gratuita: es una obra gigante de un par de gigantes, los dos Alains - que, por cierto, se contradecían siempre al intentar explicar el film. En la misma liga de película desafiante llegó en 1963 L'Immortelle, ya dirigida por Robbe-Grillet, con personajes sin nombre y un nuevo misterio que queda sin resolverse en pantalla.

El siguiente film de Robbe-Grillet como director fue Trans-Europ-Express. Es, de nuevo, una metapelícula, ahora sí con un look más nuevaolero, mucho vértigo y una arrogancia europea totalmente justificada: era 1966 y la reconstrucción joven del mundo estaba lista. Su poco elegante destrucción muy poco tiempo después no estaba a la vista aún. Trans-Europ-Express es una celebración de las (entonces) nuevas narrativas que habían forjado este nuevo mundo en el que las cosas parecían tomar un rumbo prometedor.

La película comienza a bordo del tren del título. Un director de cine (Robbe-Grillet, por supuesto, haciendo un nada sutil hitchcock cameo), su asistente y su productor están por iniciar un viaje de regreso a casa y charlan. Por un pasillo del tren pasa el actor Jean-Louis Trintignant. Y al director se le ocurre una historia con él de personaje central, historia que comienza a construirse en pantalla. Trintignant se convierte, entonces, en un traficante de droga novato. En su primera prueba de contrabando, se encuentra con varios personajes, entre ellos la hermosa Marie-France Pisier, un enigmático personaje que mete en problemas al anti-héroe, pero también lo salva. Y al revés.

Las situaciones se construyen y destruyen conforme la conversación de Robbe-Grillet avanza. El productor le cuestiona constantemente y la asistente tampoco se resiste a anotar y opinar, por lo que la historia debe ir reconfigurándose cada vez. En un momento las cosas cambian por completo, con Robbe-Grillet tomando el papel de dios caprichoso del niño que juega con sus muñecos y los condena a su voluntad. Todo a bordo del lujoso Trans-Europ-Express: mundos de mundos.

Hay en la película un humor descarado que falta en los productos-Robbe-Grillet, lo que la hace más accesible. Trans-Europ-Express funciona porque es, sumando sus partes, una película de detectives, una comedia, un film noir y también un film que se toma demasiado en serio, intentando reflexionar sobre las ideas en movimiento de un artista, las posibilidades de la narración cinematográfica y, de nuevo, intentando construir una relación activa con el público que se sienta en la oscuridad frente a una pantalla.

Además de todo, es una película que se ve muy bien. Impecable blanco y negro, personajes elegantes, un excelente soundtrack de Michael Fano y mucha velocidad. Tanta que en hora y media de película hemos cruzado media Europa. Un must-see.

Crónicas barcelonesas: Los Negativos y Brighton 64, acústicos.

2010-07-15T13:54:00.009-05:00

Nuestro hombre en Barcelona, Jorge Corleone, sigue de fiesta en fiesta. Lo bueno es que no nos olvida y nos reporta una de sus más recientes nights-out, un gig de dos de los grupos de su vida - y de la nuestra. Un must-read. El crédito de las fotos va, también, para el Sr. Corleone.

El reporte Corleone: Brighton 64 y Los Negativos en acústico. 3 de julio, 2010.

A mediados de junio, mi colega Oriol me envió un mensaje de texto al móvil que decía “Brighton 64 y Los Negativos en acústico. No es broma”. Me quedé un poco sorprendido. Sabía que Los Negativos (reformados) tocan de vez en cuando en festivales, saraos mods y similares, pero Brighton 64… ¿y en acústico? Comencé a sospechar.

La excusa del evento era la conmemoración de la presentación de los EP's en vinilo de ambos grupos en sus respectivas presentaciones en la sala mítica barcelonesa Studio 54, a mediados de los ochenta. Vamos, que el nombre no es una alarde de originalidad.

No pude salir de dudas hasta el sábado 3 de julio, noche del evento, en el Bar Clandestino, sótano del restaurante Taxidermista - cuyo poco apetitoso nombre se debe a que antiguamente solía ser una tienda de artículos para embalsamar cadáveres. Todo esto en pleno centro de Barcelona. Llegué demasiado pronto, porque sólo estábamos yo y tres colegas. Sólo veo a Ricky Gil y a su hermano Albert. Ni huellas de Tino o Jordi. Más tarde Carles Estrada y Alfredo Calonge, en representación negativa.

Fue difícil evitar una cierta decepción, porque nunca he visto a ninguna de las dos bandas en formato eléctrico, pero algo me dijo que lo viera desde un prisma más relajado y la velada tendría un toque interesante. Mal que mal, estamos hablando de grupos legendarios para la escena mod catalana y española. A cambiar el chip. Además, era gratis.

Pasa el rato y comienza a llegar la gente. El pequeño escenario está dispuesto con dos micrófonos y al fondo, dos platos para que después Yokomar y Rudemod (el mismo Albert Gil en su faceta DJ) pongan en marcha a la concurrencia.

A las 12 y pico comienzan Los Negativos. Alfredo y Carles rasguean los acordes de Cigarras panameñas. Los veteranos de los 80 retroceden mentalmente a su época de peinados estilo paje, camisas de amebas y paramecios (paisley, para que nos entendamos) y un toque de psicodelia que les hizo merecedores del honor de ser una de las pocas bandas que valía la pena escuchar en medio de la vomitiva Movida Madrileña y el pop de sintetizadores. Después se vienen Dandies entre basura, Sacerdotisa de la carne eléctrica, 18 Sábado amarillo y una sorpresa-homenaje a Brighton 64: No volverán. Y eso fue todo.

Desprovistos de los toques de estudio, teclados y otros, Los Negativos suenan densos y casi a cantautor. Pierden bastante. La voz de Carles está en plena forma, pero no pueden evitar el atril con los acordes en plan cancionero y cometer errores notorios, hojas que luego arrojan al público alegremente (yo me quedé con la de 18 Sábado Amarillo, la cual irá remitida a México apenas pueda.) ¿Tanta psicodelia ha afectado sus capacidades? No lo sé, pero se nota un desgaste, sobre todo en Alfredo, a quien tengo el placer de conocer, pero siempre está en la luna. Así y todo, al primer acorde se echaron al público al bolsillo. El discurso de Carles fue en un tono lisérgico al momento de comunicarse con la gente y por tanto, confuso y alocado. Seguramente, los fans de la vieja escuela sabían lo que quería decir. A mí y a otros más jóvenes nos sonó a gurú hippie en ácido.

Ahora toman el escenario los hermanos Gil y la entrada es la característica de sus conciertos, o sea, La Calle 46. Suenan potentes y efectivos sin necesidad de tanta parafernalia, por mucho que Ricky se disculpe al decir que es la primera (y última) vez que tocan en formato acústico, porque no lo dominan. Siguen con Ponte en marcha para mí, Deja de tocar a mi chica, Igual nos da igual y devuelven la mano a Los Negativos con Fotos del ayer. En principio, eso era todo, pero ante el aliento del público, acceden a tocar una más… fusionando a Brighton 64 con Los Negativos (“Somos los Negativos 64”, bromeó Albert) para una versión de In the Midnight Hour en castellano e inglés, cantada por Ricky y Carles, respectivamente y que fue el punto final y a la parte de música en directo. La gente se veía emocionada y eufórica, lo cual se volcó en la pista de baile. Todos contentos.

Es curioso, pero pensé que quizás los chicos de Piknik Caleidoscópico me cautivarían más y sucede que los de La Casa de la Bomba encendieron el Clandestino, en igualdad de condiciones sonoras y eso sin olvidar que la superioridad técnica y de recursos interpretativos de los primeros es notoria. Ganaron los punkies. Al menos, según mi punto de vista. Sonaron espontáneos y se llevaron el premio.

Desde Barcelona,

Jorge Corleone.

Jack The Ripper.

2010-05-12T00:14:00.022-05:00

Todo comenzó el seis de agosto de 1888 en Whitechapel, barrio pobre de Londres. Una mujer aparece violentamente asesinada, víctima de un diestro bisturí. El último día de ese mismo mes aparece otra mujer hecha picadillo en las mismas circunstancias. A partir de ese momento reina el pánico en Londres hasta el mes de noviembre, cuando aparece la sexta víctima y Scotland Yard anuncia que, con ayuda de un vidente, ha capturado al asesino: un médico, especie de Dr. Jekyll y Mr. Hyde cuya conveniente doble personalidad no le permitía recordar los asesinatos.

No se ha esclarecido la verdadera identidad del asesino. Hay teorías de que en realidad era un doctor, pero escapó a Argentina donde dedicó el resto de sus días a expiar sus culpas, e incluso se rumora que Jack el Destripador se trataba en realidad del Duque de Clarence, desequilibrado nieto de la mismísima Reina Victoria de Inglaterra. Como sea, esos cuatro meses de terror en Inglaterra han sido alimento de la cultura del horror en historietas, novelas, teatro, cine, televisión y, por supuesto, en la música.

*Jack the Ripper - Screamin' Lord Sutch

Es aquí donde entra un tipo espectacular en todos los sentidos. Poco le importó que sus padres le pusieran David Edward Sutch: tras escuchar a Screamin' Jay Hawkins decidió llamarse Screamin' Lord Sutch, 3rd Earl of Harrow. Fue el primero en convertir un concierto de rock en show del horror (toma eso Alice Cooper.) Iniciaba sus conciertos vestido como Jack el Destripador, saliendo de un enorme ataúd negro. Fue creador de Radio Sutch, una de las radios piratas londinenses, donde pasaban música alternada con Mandy Rice Davies leyendo El Amante de Lady Chatterley. ¿Aún no se convencen de que es un tipo genial? En su tour por Estados Unidos viajaba en un Rolls-Royce desde el que vendía amplificadores Marshall. ¿Más razones? Muy bien: además de todo esto fue activista político y fundó el Official Monster Raving Loony Party.

En 1963, vestido como Jack the Ripper, revive al asesino serial con una canción en la que un vampiro toca las tres notas en la guitarra y las mujeres del coro gritan de terror. La canción producida por Joe Meek es simple pero derrocha la actitud, el concepto maníaco, terrorífico y divertido que Screamin' Lord Sutch representa.

Muchas son las bandas que han incluído a Jack the Ripper en su repertorio, pero hay tres que destacan:

The Fuzztones no solo tienen el mejor cover de la canción (que es parte de su álbum Monster A Go-Go de 1992.) Aparentemente ellos dictaron la manera en que se harían los demás covers al cambiar la base y sustituírla con el tema de Peter Gunn de Henry Mancini. Curiosamente la banda tiene un disco con Screamin' Jay Wawkins titulado Screamin' Jay Hawkins and The Fuzztones Live (Midnight Records.)

La versión de The Horrors es digna de mencionarse. En 2006 sacaron el sencillo Sheena is a Parasite en cuyo video la actriz Samantha Morton (Minority Report) se convulsiona y levanta su vestido de donde salen tripas con vida propia que se proyectan a la cámara. El lado B es su versión de Jack the Ripper, que le da sentido a la broma del lado A y suena bastante bien.

White Stripes. La tocan en vivo y de chistosada, pero qué diablos, es buena.

*Otras canciones llamadas "Jack the Ripper"

Jack the Ripper de Link Wray and his Ray Men es un buen viaje de early surf. Un buen guitarreo con la batería que nos recuerda a Wipe Out.

El incomprendido Morrisey tiene también su Jack the Ripper, en la que aparentemente acecha a una chica y sufre mientras lo hace. ¡Qué diablos! La verdad sí me gusta, pero advertencia: hay que estar en el ánimo adecuado.

Nick Cave and The Bad Seeds, Jack The Ripper. Rock alternativo e intenso. Not my cup of tea, pero si quieren ver australianos haciendo incomprensible headbanging, adelante.

LL Cool J:

Milky, and I'm back
My ace in the hole was this brand new track
I'ma slow it up and speed it up and now you're gonna eat it up
Listen to the funky beat, my tongue is gonna beat it up...
Here's what my game is, kill is what my aim is
A washed up rapper needs a washer, my name is--

Jack the Ripper
Jack-Jack-Jack the Ripper
Jack-Jack, Jack-Jack, Jack-Jack, Jack the Ripper

¿Algo más que decir?

Claro que hay más. Se aceptan aportaciones a la lista. La terrorífica historia de Whitechapel sigue inspirando canciones, para bien y otras veces para mal (hay "canciones" terroríficas con el mismo nombre, pero no me atrevo a ponerlas en este blog de buen gusto.) No creo que alguien supere la de Screamin' Lord Sutch en algún momento próximo, pero eso es solo mi opinión. En fin, si hay que encontrarse un Jack... mejor que sea Daniels.

-Don Camisa.

Maravillas del mundo moderno: Death By Chocolate.

2010-05-08T20:59:00.003-05:00

Qué dulzura. Una intoxicación a muerte. El chocolate es una droga. Como la música.

Death By Chocolate hace honor a su nombre. Es dulce, dulcísimo, pegadizo, colorido. Una fiesta. Pura buena onda. Death By Chocolate, si estás perdido, es un grupo británico liderado por Angela Faye Tillet, una chica que vive en un universo paralelo, o en otro tiempo, en el que se puede dar la vuelta al mundo en un Bentley Corniche, desayunar con leche y chocolate, tener un guardarropa Mary Quant para cada día de la vida y cualquier problema es resuelto por John Steed y Emma Peel, los Vengadores. Tras ella, seguramente en trajes entallados de colores brillantes o camisas paisley de brillo obsceno, tres desquiciados llamados Jeremy Butler, John Austin y Matty Green tocan instrumentos viejos, instrumentos de juguete y guitarras con pedales wah-wah (estrictamente Vox.)

Angie Tillet (Canterbury, Kent, 1981), además, está obsesionada con la Ole Britannia de mediados de los 60. Pero no con el Sargento Pimienta. Sino con Dudley Moore y Peter Cook, los autos Bentley, los botines Chelsea, El Prisionero, las novelas de Leslie Charteris, la psicodelia de chicle bomba (mira a Emily jugar) y el Ready Steady Go. Desde su proyecto anterior a DBC, Lollipop Train, ya nos había bombardeado con una música tan dulce, tan poco mala leche, como el terrón de azúcar para el té de las 5. Y, claro, con referencias a las cosas que le gustan –las cosas que le importan, mejor dicho– como series añejas de fido (Los Vengadores), sus películas favoritas (Midnight Cowboy) y la música con la que creció (hay una notable versión de Lollipop Train a The Porpoise Song de la etapa más desquiciada de los Monkees o su exclamación en Teenage Trifle, “Country & Western… ugggh!”.) Todo esto, claro, con un sonido bubblegum no apto para garruletes de fin de semana: órganos, guitarras vintage, teclados de juguete, xilófonos, panderetas, en un embrollo casi infantil con una voz muy twee que a veces canta y, las más, recita con la convicción del niño callado de la clase que tiene la oportunidad de su vida de patear el trasero del bully de turno.

Pero la mente maestra detrás de DBC es el productor Mike Alway, quien seguramente tiene su propia religión entre fanáticos del bubblegum y del twee, fundador en los 80 de, nada más, Cherry Red Records, Blanco y Negro y de El Records, todos sellos de culto entre los entendidos de la música feliz, pero sardónica. Su filosofía, reemplazar el dinero con imaginación. Esto es The Real Indie, ingenuos.

Las primeras demos de DBC aparecieron en una recopilación, Songs for the Jet Set, Vol. 3, de Siesta Records. Un éxito. El primer disco, homónimo, salió en 2001. Más que una colección de canciones, es una de viñetas de imaginación desbordada: aquí un pequeño poema, así que callad sus guitarras, chicos, dejad oir; acá un jazz instrumental que bien podría ser el soundtrack de una escena de Bedazzled. Hay sensacionales versiones como esa a Magpie, tema principal de una serie infantil de ITV o la completa re-hechura de My Friend Jack, ese clásico subterráneo de los geniales The Smoke; también está allí el homenaje a Cooke & Moore, L.S. Bumble Bee, un clásico de la comedia británica y If You Want To Sing Out, el himno que el Cat Stevens pre-Islam escribió para Harold and Maude (1971), esa gran película de culto de Hal Ashby.

Ahí está, también, el surrealismo a lo Dalí, el misterio de una película de agentes y el vértigo de una caper movie. Ahí están la Novicia Voladora y los poemas infantiles, la puerta abierta a la tierra del chocolate de Willy Wonka, pero también la tableta de ácido con figuras caleidoscópicas y una perversa mezcla de lo perturbador de los malos viajes de Lewis Carroll y la pop aesthetics de Alex y sus drugos.

El segundo LP, Zap The World, de 2002, es una secuela desinhibida e igual de dulce. La canción titular es una versión del tema de la villanita de la serie infantil H. R. Pufnstuf; los recitales de poesía absurda continúan, lo mismo que los homenajes a Lo Que Hace Que Todo Valga La Pena, como las bebidas de viernes por la noche (Bibi Gin, si no, nada), el cereal de la mañana de sábado (tiene que ser Cinnamon Grahams), los pedales Vox (¡hacen que tu guitarra suena como cítara!) Pura vida. Ahí está de nuevo John Steed con su bowling hat salvando el día, los patrones op art de Bridget Riley, la fascinación sixties por Todo Lo Hindú y, claro, canciones nostálgicas del Swinging London, incluida una versión de While I’m Still Young, de la cinta Smashing Time (1967) con Rita Tunshingham y Lynn Redgrave, un chick flick esencial. Ahí están los ecos de The Electric Prunes, del bossanova de lounge, del jazz sofisticado de fiesta de coctel, puro color. La cosa es francamente quite quite fantastic, más si se acompaña con un Martini, un frasco lleno de lunetas de chocolate, una buena alfombra, un buen equipo de sonido (hi-fi aficionados) y, de ser posible, buena compañía.

Hasta hoy, DBC sólo tiene esas dos placas. Son suficientes. Consíguete el plato de plástico, ponlo en la tornamesa y gíralo. A splendid time is guaranteed for all.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 7 de mayo de 2010.

GrooBeats Soundsystem DJ Session, este viernes.

2010-05-02T19:50:00.002-05:00

Ahí nos vemos.

Los organizadores y GrooBeats SoundSystem anuncian que el SÁBADO 8 DE MAYO DE 2010 habrá una segunda DJ Session, en el mismo lugar, Phanté Campestre, a partir de las 10 de la noche.

Una mancha en el silencio.

2010-04-29T01:29:00.002-05:00

Qué decir de esto. Gracias. Y adelante.

http://crazesandfads.blogspot.com/2010/04/una-mancha-en-el-silencio.html

Y nos vimos majos en la pista de baile.

2010-04-25T22:32:00.010-05:00

Ulises Guzmán, uno de los más añejos amigos y colaboradores de La Trampa del Bulevar, debuta en este blog con esta reseña del gig de Arctic Monkeys en Guadalajara (22/04/2010.) Después de varios amagos de colaboración, se logra por fin y ojalá que sea la primera de muchas. Compañero en los happenings, obsesivo del cine 80's, gig-goer disciplinado y aficionado de la música de guitarras, tiene un blog propio en The Crazes & The Fads.

El debut de Arctic Monkeys en México no fue afortunado. La noche del miércoles las redes sociales estaban colmadas de rumor, desazón, paranoia, declaraciones justas y otras apresuradas. En fin, el concierto que ofrecieron el 21 de abril (del presente 2010) en la ciudad de México fue mínimo y fracasado; y lo más importante, nos puso en jaque a quienes asistiríamos al concierto del día siguiente en Guadalajara.

Hoy es viernes y, suspiro, todo salió bien. Ache Producciones no quiso repetir la vergonzosa cadena de eventos desafortunados de la noche anterior y en Guadalajara realizaron un trabajo casi competente. Salvo la descomunal espera de 100 minutos en fila para ingresar al Foro Alterno, lo demás funcionó bastante bien. Claro, fue extraño e incomprensible el proceso de acceso al venue; separación de machos, hembras y menores, filas que caracoleaban de forma inexplicable y avanzaban caprichosamente, cual campo de concentración. A las 20:40 horas por fin mi grupo de amigos y yo estábamos dentro y camino a instalarnos estratégicamente lo más cerca posible del escenario.

Justo a las 2100, abordó el escenario Sleepy Sun. Indeed they are, dears! Me aburrieron. Pero ya sabía que sería así. Sleepy Sun es una banda de San Francisco que mamó la tradición de su ciudad. Entonces, hacen un bluesie infused psych rock que obviamente está influenciado e inflamado por los Greitfulded y Yanis y todas esas cosas que detesto, y que Rocky Erickson podría aplastar con su esquizofrénico meñique. Pero no malentiendan mi pontificado antijipi; Sleepy Sun es una banda buena en lo que hacen, incluso tengo su disco y me parece tan bien producido como somnífero, pero justo eso podría ser tu taza de té. No me tomé el tiempo de observar la reacción del público ante su presentación, pero sé que la impaciencia por ver a Arctic Monkeys fue más grande que la grata sorpresa por descubrir a una nueva banda.

Y tras casi media hora de preparativos aparecieron, rebautizados por la pubescente audiencia, Los Artic. Algo que aprecio en ellos es su flema. Odio, odio, odio el pan y circo de las bandas que pretenden simpatizar con el indulgente público mejicano emblasonándose con un sombrero mariacho; si te envuelves en una bandera mejicana, termina el acto y haz la juanescutia, sí, te hablo a ti Matt Bellamy (amo a Muse). Pero los Arctic Monkeys no se andan con tonterías, hablan poco, respetuosa y agradecidamente y a darle a las canciones.

El concierto inició con la creciente Dance Little Liar y siguió casi sin pausa con Brianstorm y This House Is A Circus, que juntas forman una trilogía representativa del heavyness que la banda adoptó en su segunda etapa. Y con eso los ánimos del público ya estaban arrancados y comenzaba la batalla del mosh pit. El primer momento hímnico vino con el cuarto tema, Still Take You Home, gran timing para un hit como ese. El sonido estuvo bastante bien, con algún tropezón ocasional; como que El Inge de repente no le seguía la pista al recital, pero en la mayoría de los casos se corrigieron los volúmenes bajos, saturaciones, empalmes y desfases de forma oportuna, aún así, me pareció raro para una banda de este calibre, más porque Sleepy Sun tuvo un sonido impecable durante todo su set.

Luego tocaron la canción que fui a escuchar, Red Right Hand, original de Nick Cave & the Bad Seeds (del álbum Let Love In) y que los Monkeys versionaron como bonus track para la edición japonesa de Humbug. Fue grandiosa, hasta que sonó algo raro y se detuvieron a manera de final en falso y tras poco más de un minuto la retomaron con el coro-cierre de la misma. Aún trastabillada la amé.

Luego de eso vino la sección más intensa del gig con una cadena de sencillos de su tercer y primer álbum: My Propeller, Crying Lightning (posiblemente su mejor canción desde When The Sun Goes Down), I Bet You Look Good On The Dancefloor y The View From The Afternoon. Son algunos de sus mejores y más conocidos temas, y obviamente fueron facemelters, y en este punto realmente me sorprendió la prudencia y buen tino de la banda para medir a su público, pues tras 15 minutos de frenesí, arrojaron las calmadas para que el público se relajara. Y el respiro que dieron Fire and the Thud y Cornerstone fue realmente apreciado por la sudorosa concurrencia.

Luego del descanso retomaron el poggoing y el headbanging tocando If You Were There Beware, Do Me A Favour y Pretty Visitors y remataron con When The Sun Goes Down, que como ya mencioné, me parece su mejor canción y fue en definitiva el punto álgido del concierto. Tocaron también por allí una canción llamada Joining The Dots que no conocía, ni me gustó mucho; no sé si fue un cover o un tema poco conocido de la banda, pues mis compañeros de mosh pit tampoco tuvieron reacción ante ella. Y cerraron el set con otra canción que no conozco, al menos en inicio, porque a esta le insertaron algunas partes de Balaclava y así fue como terminó.

Desde luego hubo encore tras algunos oligofrénicos coros del público; de verdad, todo México debería tomar un curso intensivo sobre himnos y cánticos de concierto. El encore fue Fluorescent Adolescent que pareció complacer a todos, y a la que también le injertaron un segmento de otra canción que no logré reconocer. Y el cierre definitivo fue 505, una gran canción sin duda, pero tenían por allí algunas otras que me hubiera gustado escuchar más como final.

Si algún acérrimo fanático de Los Arptic lee este texto, por favor no se molesten si faltaron algunas canciones o si el orden está errado; escribí recurriendo a mi memoria que no está en su mejor forma, y seguramente sufre por deficiencia de potasio. Los convido entonces, a que, de ser el caso, dejen sus acotaciones y aclaraciones como comentarios.

Resumiendo, fue un muy buen concierto, muy atinado, largo, intenso y variado. Tanto la banda como el público parecieron disfrutarlo y afortunadamente terminó sin shows vergonzosos ni caudillismo exagerado. Aún así, me quedé con las ganas de escuchar Secret Door, The Jeweller's Hands, Chun Li's Spinning Bird Kick, Fake Tales Of San Francisco, Mardy Bum, A Certain Romance, Red Lights Indicates Doors Are Secured, Perhaps Vampires Is A Bit Strong But..., Cigarrette Smoker Fiona y, sobre todo, su cover de Put Your Dukes Up, John. Bueno, creo que lo que yo realmente deseaba era un concierto enfocado en su primer álbum. Como sea, me divertí bastante.

¿Son los Arctic Monkeys una gran banda? Sin duda, aunque no tanto como la NME intentó hacernos creer. Hasta ahora han creado un álbum grandioso (Whatever...), otro estupendo (Humbug) y otro, francamente, mediocre (Favourite...). Cuando el britpop murió, quedó un hueco en la música británica que por vergüenza o desencanto nadie se atrevió a llenar hasta que The Libertines asieron su britishness y reinventaron la zeitgeist de la música inglesa, pero, destinados a morir pronto, dejaron el hueco nuevamente, para ser llenado esta vez con los Arctic Monkeys en sus dicharacheros inicios.

Sí, en 2006 Inglaterra necesitaba a una banda que les representara, y los Arctics lo lograron, pues rescataron la esencia de las glorias británicas de la década anterior, esta vez con menos romanticismo y con la aspereza urbana que dejó la crisis finisecular. Pero hoy los Monkeys son animales diferentes. Creo que ya no pretenden llenar ningún hueco, de hecho han creado un sonido característico, propio de esta época (sea eso bueno o malo) pero único dentro del amorfo estado del arte del rock actual. ¿Han madurado? Es muy pronto para decir eso. ¿Son mejores que al principio? Son distintos, menos ingenuos, pero también menos frescos y realmente yo prefiero sus primeras canciones. Sin embargo, siguen siendo una gran banda que aún cambiará. Les pronostico un futuro más cercano al hard rock en forma, que a su pasado punkish o que a sus compañeros generacionales atrapados en el limbo de las etiquetas.

El de anoche, un buen concierto lleno de juventud con una banda que paradójicamente fue primero brillante y ahora es prometedora. Los Arctic Monkeys llegaron a eso escuchando los discos adecuados, y tengo la esperanza de que su público pueda aprender de ellos en pos de que dentro de una década haya menos estupidez musical en general. Es mucho pedir, pero un gig tan atinado como el de anoche y un par de discos definitivamente adecuados, me hacen ver que el camino correcto podría no estar tan lejos.

-Ulises Guzmán.

Sinfonías de vértigo.

2010-04-19T16:47:00.006-05:00

Por varios motivos, la música clásica ha adquirido una fama de solemnidad, seriedad y pomposidad que le han quitado el favor popular. En parte, ella misma se lo ha ganado. En parte, es pura incomprensión.

No voy a decir que soy un experto en música clásica. Definitivamente el Pop, con mayúscula, atrapa mucho más fácil a cualquier sobreviviente del siglo XX ya bien entrado el XXI (y cuando digo Pop hablo de la Música Que Importa, apócope de popular, la música del ritmo, de la inmediatez, del peligro y no de la Gran Basura que the media llama pop, con minúscula.) Pero como musicómano no puede pasarse por alto.

En la cultura masiva del siglo pasado hay varios momentos álgidos para la música clásica, sobre todo en el cine. Pero hay dos esenciales que hay que comentar.

El primero llegó en los años 50 gracias a la sobre-desarrollada imaginación de Michael Maltese y al indiscutible genio de Chuck Jones, uno guionista, el otro uno de los grandes caricaturistas y animadores de todos los tiempos. Juntos, y gracias al trabajo de un impresionante equipo de animación (el trabajo más arduo desde las pirámides) crearon hilarantes historias de apenas unos minutos, protagonizadas por los más desternillantes personajes marca Looney Tunes, enmarcadas en algunos de los más grandes pasajes de la música clásica. Fue un momento definitorio para eliminar la solemnidad que se le atribuía a esta música.

El conejo de Sevilla de 1950, que satirizaba sin piedad y con un montón de alma y de cerebro la célebre ópera de Gioacchino Rossini (basada, a su vez, en la comedia El barbero de Sevilla de Pierre-Augustin de Beaumarchais) fue un éxito total. Protagonizada por el corrosivo Bugs Bunny y ese pelmazo calvo llamado Elmer Fudd, la animación define Lo Clásico en cada una de sus acciones. El conejo hace de las suyas no sólo destrozando cualquier concepción ortodoxa sobre la ópera sino cantando con una horrenda y aguda voz. Puro genio.

Otro gran éxito fue What’s Opera, Doc? de 1957, una nueva caricatura animada que se decantaba por el humor involuntario de las dramáticas óperas de Richard Wagner. De nuevo son el conejo y el pelmazo los protagonistas de unas bucólicas cabriolas que se salen de graciosas. No fueron estas las únicas caricaturas que utilizaron música clásica para lograr efectos humorísticos, claro está. No hay nada más fácil de satirizar que las cosas intrínsecamente serias. Pero sí fueron, posiblemente, las que tuvieron un efecto mucho más extenso y una influencia más profunda.

El segundo momento álgido llegó gracias a otra desbordada imaginación y a una lente maestra. En 1971, Stanley Kubrick estrenó su versión Gran Pantalla de la novela futurista y ultraviolenta de Anthony Burgess, La Naranja Mecánica. El personaje principal, el antes ícono subcultural y ahora archiconocido Alexander DeLarge, estaba obsesionado con el crimen y con Ludwig Van Beethoven, en especial con su Sinfonía Coral, la muy manoseada Novena – una desesperada obra maestra que ha sobrevivido a la sobreexposición, la banalización y a las adaptaciones más cursis y sinsentido.

Además de utilizar las versiones ortodoxas de grabaciones de la legendaria casa de grabaciones alemana Deutsche Grammofon, Kubrick encargó al músico de vanguardia Walter Carlos (luego conocido como Wendy Carlos tras una operación de cambio de sexo) una adaptación electrónica de la sinfonía de Beethoven. Carlos, uno de los pioneros del Moog, un primitivo pero espectacular (y aún vigente) sintetizador analógico, ya había realizado grabaciones electrónicas con música de Bach. El resultado fue tremendo.

El detalle maestro es que esta música suena mucho más peligrosa y extrema que nunca, haciendo perfecto juego con el look modernista del film. Kubrick ya había llevado la música clásica a otro límite en 2001: Odisea del espacio, haciendo que el universo bailase un meloso vals de Strauss y haciéndolo ver cool. Decididamente no era la primera vez que alguien usaba música clásica en una película; mucho menos el último. Pero pocas combinaciones música/celuloide han resultado tan icónicas. De algún modo, La Naranja Mecánica restableció a la música clásica en el lugar que merecía en la cultura.

-Esteban Cisneros

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 17 de febrero de 2010.

Lo que vendrá.

2010-04-05T17:44:00.006-05:00

El mundo sigue moviéndose y no perdemos el ritmo...

No hay tiempo para parpadear, ni descansar. Hay demasiado que escuchar, ver y leer. ¿No? Pop, girls, etc.

El cartero se ha estado portando bien en estos días. Primero que nada, hace un par de semanas trajo el Groovesville USA de Keith Rylatt, un libro que ya hacía un tiempo considerable que esperábamos y que se reseñará por acá, por supuesto. Luego, desde las Islas Canarias llegó un paquete de parte de Ecos de Sociedad, con una pequeña revista, discos, cintas y montones de increíbles detalles de parte de Javier Morales; y con ellos siempre llegan las ideas, los artículos y las canciones.

En cuanto a La Trampa del Bulevar en papel, ya se manufactura, lenta y dedicadamente como siempre, el No. 2. ¿Alguien le entra?

Los Padrinos!, por cierto, han estado trabajando en canciones nuevas que ojalá podamos estrenar en este blog. No dejan de ser unos inestables y de ser sombras esporádicas que, sin embargo, siempre construyen buenas fiestas a base de ruidajo y ritmo, pero todo indica que ya algo sucederá y que podremos escuchar nuevas grabaciones pronto.

Seguiremos subiendo uno que otro artículo de los que viernes a viernes aparecen en El Heraldo de León y abiertos a cualquier colaboración.

Del dicho al hecho... ya estamos en eso. Siempre más. Esa es la medida.

Alex Chilton (1950-2010)

2010-03-17T20:08:00.007-06:00

Ha muerto Alex Chilton.

Nacido en Memphis, Tennessee, fue un amante de toda la música desde pequeño, ya que su padre era un músico de jazz. Formó parte, en su adolescencia a mediados de los 60, de los Box Tops gracias a su fantástica voz y su desgañitado look. Tremendos. La banda murió con la década y Chilton se unió a Big Star, depurando su estilo de cantar, perfeccionando su técnica con la guitarra y uniéndose a otro monstruo, Chris Bell, en la composición de canciones gigantescas. #1 Record (1972) fue su primer disco, pero con Radio City (1974) dejó para la posteridad un álbum clásico e influyente en todos los sentidos.

Tras una accidentada grabación, Third salió hasta 1978, cuando ya no existía Big Star y Chilton se dedicaba a otros proyectos. Eso sí, nunca dejó de hacer música y de lanzar grandiosos artefactos que deberían estar en cualquier colección que se precie. Produjo a los Cramps, influyó a montones de grupos y lo pasó siempre haciendo música, lo que quería hacer desde que era un jovenzuelo que admiraba a Elvis.

Nunca abandonó los escenarios. Murió el día de hoy, 17 de marzo, en Nueva Orleans y justamente este fin de semana tenía programado un gig en Austin. No se han confirmado las causas de su muerte.

En 1987, los Replacements le hicieron este homenaje, por cierto...

Oil City Confidential.

2010-01-13T20:28:00.005-06:00

Julien Temple es responsable de algunos filmes impecables pero también de uno o dos pequeños fiascos. Para ilustrar los primeros está su más reciente, Joe Strummer: The Future Is Unwritten (que de paso nos recordó al gran Andrés Landero) y para los segundos, Absolute Beginners, el musical. Indudables son, eso sí, sus obsesiones musicales -aunque, sí, ha filmado a los Sex Pistols en más de una ocasión pero también dirigió un vídeo para (ejem) Whitney Houston- y definitorio su humor medio guarro de pub (es, también, responsable de The Rock and Roll Swindle y Earth Girls Are Easy.)

Su nuevo documental, Oil City Confidential resulta interesante por eso, pero también por el tema. Ya era hora. Se trata de un film sobre Dr. Feelgood, "la banda local más grande del mundo", "el punk antes del punk", los más geniales gamberros cerveceros de Canvey Island - ese lugar por donde Dios (Otis) no pasó. El film promete: violencia, cerveza y R&B, los primeros años de Dr. Feelgood, los guitarrazos chop-chop-chop de Wilko... O al menos eso dice el trailer.

Oil City Confidential estará en las pantallas británicas en febrero. Este lado del mundo es mucho peor que Canvey Island, así que ni la esperen. A buscarla.

Iván Zulueta: 1943-2009

2010-01-02T13:00:00.005-06:00

Cineasta pop, artista gráfico, cartelista, gran tipo. Descanse en paz.

Trainspotters.

2010-01-01T16:43:00.005-06:00

Conozco un tipo que tiene su álbum favorito en montones de versiones. Tiene el vinilo monoaural de primera edición. El vinilo, en estéreo, uno con la portada normal y otro con una portada diferente. El vinilo americano. El vinilo inglés. El vinilo mejicano. El cassette. El CD de primera generación. Una reedición, nueva, del CD. Y, claro, sus respectivos bootlegs con tomas alternas, demos y lados-B.

Cada que encuentra una nueva edición, o una vieja edición que no tenía, o una edición de otro país, u otro cassette con un error de impresión, tiene que comprarla. Como aquel lunático que compraba cada edición de El guardián entre el centeno de Salinger. Como un detective reuniendo pistas para resolver El Gran Misterio. Como un depredador que no puede saciar su hambre ni su sed de sangre. Como un perro que va meando los postes marcando su territorio.

¿Un loco? Posiblemente. Pero hay mucho de cordura en estos comportamientos. Sigo.

Antes (y aún ahora, aunque no en estos lados del mundo) había sujetos que se dedicaban a seguir trenes, cuaderno y mapa en una mano, cámara en la otra. Trainspotters. Cazaban trenes en puntos específicos del mapa, anotaban la hora en que pasaban, con suerte filmaban el paso del tren y se iban a casa. Felices. Fe. Li. Ces. Como si hubiesen ganado una final de fútbol.

Vaya tipos raros, pensará usted. Pues sí. Pero todos deberíamos de tener una afición o una colección, que bien ayuda a nuestras cabezas y corazones a mantener el orden. La obsesión de estos sujetos con cosas aparentemente inútiles da sentido, paradójicamente, a algo que parece no tenerlo: la vida. Existe la oficina, la fábrica, el taller. También existen la calle, la noche, las cuentas a pagar, las decepciones, la Vida Real. La que uno debe vivir según el protocolo so pena de ser un marginado. Pero están estos sujetos, con aficiones tan distintas, tan no-alineadas y tan coloridas, algo están haciendo bien.

Los escapismos son necesarios. Los pasatiempos, los juegos y las salidas son más que válidamente utilizadas por los individuos para evadir la realidad, salir de uno mismo y olvidarse de todo. Una colección, por ejemplo, es más que un pasatiempo (no es igual coleccionar que acumular, aunque tienen que ver.) Coleccionar objetos es trazar mapas, horas de llegada, de salida, incidentes vitales; es buscar el artefacto preciado por cualquier medio hasta llegar a él, para entonces seguir a por el otro. No es un escapismo, sino un adentrarse más a uno mismo, recordarlo todo, adaptarse para crear sentido. Un poco de lucidez privada, de verdadera posesión/sublimación y de placer total.

Esta creación de mundos propios y fascinantes puede resultar perturbadora en un mundo pragmático en el que se ha asumido como otro protocolo el aburrimiento, la monotonía y la repetición. ¿Quiénes son los cuerdos?

Hay cierto grado de patetismo en esto, no lo niego. Esos trainspotters que iban por el campo en el frío clima inglés eran señalados por mucha gente. Incluso les pusieron un nombre: anoraks, por las parkas que portaban. Pero siempre es mejor el patetismo a la mediocridad porque, calma ahí, no son lo mismo. El patetismo implica una desproporcionada acción-reacción. Uno puede ser patético haciendo lo que ama. Nunca mediocre.

Hay de colecciones a colecciones – y coleccionistas de coleccionistas, Sr. Fischer. Pero hablo de coleccionistas más o menos mundanos, no snobs que pagan el valor de tres mansiones por una mala pintura. Conozco, por ejemplo, a otro sujeto cuya biblioteca particular se compone, solamente, del Quijote (ni siquiera Cervantes completo); otro que colecciona manuales sobre mecánica (“este de 1962 menciona erróneamente una parte motor del T-Bird pero esta otra edición lo corrige ya”); hay, en esta misma ciudad, coleccionistas de ropa vintage, de botellas raras de cervezas, de sombreros, de all-things Bela Lugosi. Son completos expertos en sus áreas. Escarbando, encontramos mucho “patetismo” en una ciudad mediocre. Qué bueno.

Y están, claro, los que coleccionan discos. Los que, como el sujeto con el que comenzamos, pueden comprar su disco favorito todas las veces, hacer increíbles tratos, dar la vuelta al mundo, dejar de comer y cosas indecibles por un pedazo de plástico. Pero dejo hablar, de nuevo, a Nick Hornby en su Alta Fidelidad porque se explica mejor que nadie al expresarse sobre una colección de música: “No es como coleccionar estampillas o posavasos o dedales antiguos. Hay todo un mundo aquí, uno mejor, más sucio, más violento, más pacífico, más colorido, más sórdido, más peligroso, más amable que el mundo en el que vivo; hay historia y geografía y poesía y muchas otras cosas que debí haber estudiado en la escuela, incluyendo música.”

No hay nada como tener un disco a la mano para cada ocasión y un himno para cada día. No hay nada como una buena colección de discos, porque es el mundo a la mano. Lo sé bien, al ser ese personaje alucinado y patético del inicio.

-Esteban Cisneros.

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 2 de diciembre de 2009.

Serge Gainsbourg, vie héroïque.

2009-11-14T15:54:00.003-06:00

Sumándose a la moda de las biopics, Serge Gaisbourg, vie héroïque llegará a las pantallas europeas en enero de 2010, dirigida por Joann Sfar. El guión fue una impresionante novela gráfica de Sfar y algunos trozos pueden verse en el sitio oficial del film. Ojalá podamos verla a tiempo de este lado del mundo.

Living for the Weekend...

2009-11-03T23:29:00.000-06:00

...porque nos lo debemos.

La vida es una mix-tape*.

2009-10-29T20:37:00.004-06:00

Uno de los placeres (o deberes) más grandes de un musicómano es hacer una recopilación para sus amigos o conocidos. Antes se hacían cintas, tapes. Había de 60 o 90 minutos, cuyos lados A y B debían ser llenados de éxitos infalibles. Mix-tapes. Ahora son CD-R’s en los que uno tiene la opción de grabar 70 y tantos minutos de música para escuchar en el estéreo, el auto o el discman… o quemar 100 y tantos mp3's para ser manipulados como sea. La segunda opción me gusta menos, sin duda, porque una recopilación debe consistir en un esfuerzo auditivo y emotivo que logre condensar en 22 canciones toda una gama de sensaciones pop.

Que conste que seguimos insistiendo en los discos. El iPod le quita romanticismo a todo.

Sí, es duro, pero a veces una mix-tape es la única manera de poder expresar algo, cuando no se tienen palabras. Hay un chiste... Le preguntan a un chaval si puede describirse en una frase. Su respuesta: "¿Puedo citar a alguien más?" Suele suceder. O como dice el personaje de esa maravillosa película (basada en el maravilloso libro de Nick Hornby) Alta fidelidad, interpretado por John Cusack, y parafraseo: “Es delicado, porque hacer una recopilación es usar poesía ajena para decir lo que tú quieres.” Y cómo no. Nadie puede decir las cosas mejor que Leonard Cohen o que Tim Hardin.

Hacer una mix-tape es todo un arte, que como casi todos está perdiéndose poco a poco. Se requiere de conocimientos, sensibilidad y, por supuesto, una extensa colección de discos. Porque no sólo se trata de recopilar una serie de canciones. Eso puede hacerlo cualquiera con una grabadora o un quemador de discos. Una verdadera mix-tape puede ser un trabajo de horas, de días. Tiene sus reglas. Requiere de un toque maestro y de un oído educado.

Una buena mix-tape es coherente. Aunque es cierto que cada recopilador pone sus reglas, deben ser muy claras. El mismo Nick Hornby sugiere algunas en Alta fidelidad: no puede haber dos canciones seguidas de un mismo intérprete, a menos que la cosa vaya en pares y haya dos de cada artista; una revoltura de géneros incoherentes o contradictorios podría ser un problema, lo mismo pasa si se revuelven épocas musicales sin criterio; no puede juntarse música negra con música blanca, a menos que la blanca suene como negra; y así. Además, claro, de cuidar que se preserve un ritmo, que pueda escucharse de corrido: comenzar con una canción gancho, que atrape a cualquiera, mantener el ritmo, luego bajar la intensidad para no fatigar, luego volver a subirla. Si hay una canción favorita, hay que enterrarla en la mitad de la mix-tape, porque de otro modo uno escuchará solamente el principio y estará satisfecho… Es todo un juego, genial, en que uno hace de DJ personal, de esos que salvan vidas, la propia tal vez.

Este juego es (¿o fue?) toda una cultura musical. Thurnston Moore, guitarrista de Sonic Youth, es uno de los mix-tapers más célebres. Incluso escribió un libro, MixTape: The Art of Cassette Culture, lleno de oscuras referencias, grupos para conocedores y canciones que cambiarán tu vida y aún no lo sabes. Un recuento extraordinario de las “andanzas” de un verdadero musicómano, de esos que pasan las horas grabando cintas de viejos discos de vinilo, que a su vez fueron encontrados tras horas y horas de intensa búsqueda, de sudor y sangre.

En tiempos no tan lejanos, aunque así nos han hecho creer, el intercambio de mix-tapes era una de las pocas maneras de acceder a música rara, nueva y emocionante. Antes de la Internet, las revistas musicales importadas, el vinilo y el cassette eran los únicos medios para enterarse de lo realmente bueno. Como en todo tiempo de privilegio, hemos perdido el piso al tener tanta información disponible y ya no nos interesa.

Una mix-tape tiene muchos usos, además, a pesar del iPod. Desde el uso personal, para llevar a alguna fiesta, para escucharlo una y otra vez, incluso para el auto o el discman (quien aún tiene uno) o como una cápsula de tiempo (encontrar una mix-tape tiempo después de realizada tiene un efecto de regresión increíble) y hasta para intercambio con otros musicómanos. Funciona (y está más que comprobado) para impresionar a la chica en cuestión: utilizando las canciones adecuadas caerá a los pies del verdadero musicómano. Primero te tildaba de nerd, chaval, y ahora no se zafa de ti.

La vida es una mix-tape. Está dicho.

-Esteban Cisneros.

*Texto publicado originalmente en El Heraldo de León, viernes 23 de octubre de 2009.

Black Soul Beats.

2009-09-18T00:22:00.006-05:00

Que no, no estamos muertos. Con un considerable retraso (mental, una vez más) reseñaremos brevemente Black Soul Beats, la fiesta que el Groobeats SoundSystem armó el 5 de septiembre en La Mandrágora, en León. Varias horas de los mejores sonidos negros, groovy shit, cómo no, en plástico negro y con un calor de casi 451 fahrenheit.

Girando las tornamesas, damas y caballeros, estuvieron Brendan Flannery (de Chicago), DJ Yodex (de la Ciudad de México), Cuchy Frito Man (de León) y el cuasi-legendario Gokusan (la SLP-León connection.) Así debía ser.

Mucho funk, soul, boogaloo y un poco de jazz nos hicieron mover los pies: unos se deslizaron con mucha o poca destreza, otros sólo brincaron y hasta hubo breakdancers cerca de las tornamesas. Una noche sudorosa en la que había que sacar medio cuerpo por las ventanas del lugar, exponiéndose a caer tres pisos, para refrescarse un poco.

Porque aquí viene el único y gran pero de la noche: la cerveza se terminó. Sí. La cerveza se terminó. Poco después de la medianoche, el lugar estaba seco. Claro, había cocteles y esas cosas que no funcionan en una noche así, pero no nos quedó más que seguir brincando, bailando, cantando, remojando el gaznate con pulque que filtró la seguridad del lugar (en realidad fue introducido por los mismos organizadores), coca-colas y cocteles dulces.

De cualquier modo, ojalá que haya Black Soul Beats para rato. Que se convierta en otra fiesta tradicional para los chicos del ritmo de León. Que sea.

P.D.: Gokusan nos pasó parte de su setlist, aunque advierte "en desorden y no están todas las que fueron", pero así sucede a veces. Le agradecemos su contribución, de memoria, para que quede constancia de lo que sucedió y pudo suceder aquella noche...

James Brown, I Got You (I Feel Good)

James Brown, Get Up (Like A Sex Machine)
Many Corchado, Pow Wow
Mongo Santamaría, We Got Latin Soul
Monguito, Hey Sister
Chollo Rivera, Black And Blues
Quetcy Alma, Deep
Joey Pastrana, King of Latin Soul
Eddie Palmieri, African Twist
Michael Jackson, Billie Jean
KC & The Sunshine Band, That's The Way (I Like It)
The Harvey Averne Barrio Band, Cucara Macara
Lefties Soul Connection, Organ Donor
Vern Blair Debate, Ooh Ah Ee
Lil' Buck & The Top Cats, Monkey In A Sack
Boris Gardner, Melting Pot
The Bamboos, Side Stepper
Augustine Ramirez, Pack My Bag
Cannibal and the Headhunters, Land Of 1000 Dances
Baby Huey, Hard Times
Cyril Neville, Gossip
Los Johnny Jets, Lupe
Incredible Bongo Band, Bongo Rock '73

What Ever Happened...

2009-08-07T17:00:00.012-05:00

Vamos a ponernos al día. Estábamos perdidos entre ocupaciones, mudanzas, compromisos, accidentes y almohadas, pero no estamos desconectados. Nunca. Entre una cosa y otra nos damos tiempo para La Vida, los discos, las fiestas. Acá un breviario de lo que es verdad, lo que es mentira y lo que vendrá.

*Chewing Gum Weekend 2009, Ciudad de México.

El 24 y 25 de julio volvimos al DF al Chewing Gum Weekend. Tercera edición de esta fiesta anual que sigue y seguirá. El primer día: las bandas. Los Aggricolites, Los Mustang 66, Los Atlanticks, Los Padrinos! y Los Ramparts hicieron ruido y, a pesar del temperamental micrófono de voz, hubo muy pocos peros. Una noche sudorosa y divertida, de guitarras eléctricas y amplificadores calientes, de cerveza y brincos.

Ya el segundo día los DJ sets pusieron un tono distinto a la noche, igual de cervecera pero mucho más negra. Mr. Rhyan White (Califas) y Bearsoul (Mad-But-Mod-Manchester), de nuevo, se llevaron la noche. Y el año entrante estaremos por allá, seguro. De nuevo gracias a los organizadores, la Underground Fanzine y a todos los amigos que nos encontramos (y los nuevos que hicimos.) La foto del par de alcohólicos fue robada a Ely Entwistle, gracias.

*Foro de Cultura Sixties México.

Tras la muerte del short-lived foro del Clan (Sociedad Mod y Soul de México), los lunáticos de Cultura Sixties (TJ) tuvieron la iniciativa de iniciar otro lugar virtual para compartir datos y opiniones. Ahí está el espacio, a participar. El foro pasado cerró, precisamente, por falta de interés. Todos tenemos cosas que compartir, así que no es mala idea unir a los distintos modernistas/sixties/soulies/allegados del país mediante este foro. A ver cómo resulta.

La liga es: http://culturasixtiesmexico.foroactivo.net/.

*Black Soul Beats.

Ya hace falta una fiesta leonesa. El GrooBeats Soundsystem ya se ha puesto las pilas y Black Soul Beats será una noche llena de ritmo. La fecha tentativa es el 5 de septiembre, el lugar aún no se confirma, pero ya tiene un line-up de pinchadiscos muy prometedor. Iremos poniéndonos al tanto conforme surja la información. Por lo pronto, hay que visitar el blog de GrooBeats. No olvidar el ritmo.

Gordon Waller (1945-2009.)

2009-07-21T01:26:00.008-05:00

Gordon Waller, la mitad del dúo vocal Peter and Gordon, falleció el pasado 17 de junio de un ataque cardíaco. Inevitablemente ligados a la historia de los Beatles y el Liverpool jet-set, tuvieron varios éxitos entre 1964 y 1968 escritos por Paul McCartney, quien entonces salía con la actriz Jane Asher, hermana de Peter. La música de Peter & Gordon, una suerte de merseybeat muy folk, queda para la historia como el lado más melancólico de los Swinging Sixties.

Descanse en paz, Gordon Waller. Es, por cierto, el que no usa gafas.

Viva.

2009-07-16T01:05:00.016-05:00

This is the story about a housewife during the sexual revolution. The time is 1972, the place Los Angeles and the people... ordinary.

Con esas palabras comienza y se resume completo Viva (2007), primer largometraje de Anna Biller. Directora, productora, editora, escenógrafa, actriz, feminista y californiana, Biller filmó en 2006 una película que se ve, se siente y se escucha como un grindhouse film de inicios de los 70. Toda una experiencia.

Basada en decorados y situaciones extraídos de la Playboy de la época (a la que todo esposo americano estaba suscrito), Viva es un homenaje a los filmes sexploitation y una sátira de la revolución sexual y al mismo tiempo una de las películas más personales de los últimos tiempos. Un ama de casa aburrida de que su marido nunca esté con ella es el pretexto perfecto para construir una película de atmósferas enrarecidas por vestuarios llamativos (y de época), parafernalia vintage, decorados kitsch detallados al máximo y un soundtrack asesino.

Style over substance? Sí. Totalmente. Viva es una película en la que el estilo lo es todo. Pero, eso es lo que la hace tener sustancia. No es contradicción. Ya hablaba Dick Hebdige de las implicaciones subversivas del estilo... Cada set es un mundo, cada prenda un manifiesto, cada color chillante grita montones de cosas, todas interesantes. Anna Biller es una nerd total, una esnop, una coleccionista que ha pasado la mitad de su vida recolectando vintage, acumulando objetos, escuchando discos viejos y viendo películas pre-1970 (su canal favorito es, claro, TCM.)

Biller es tan enferma del cine que menciona Suburban Roulette de Hershell Gordon Lewis y Camille 2000 de Radley Metzger como influencias inmediatas, pero Viva es verdaderamente una película para fanáticos del cine. El cine más trash, ya lo dice Fangoria, la publicación freak por excelencia. Ahí están los caprichos sexploitation de mostrar piel a la menor provocación, la voluptuosidad de Russ Meyer, los personajes irritantes de John Waters, el humor jarioso de Terry Southern, el ingenio/absurdo de Roger Corman, la picardía de Mario Bava (en sus sexy-comedias como Cuatro veces aquella noche), la girl-gone-bad de (entre otras) Emmanuelle Arsan, el morbo voyeurista del cine mondo, la pretensión de art-house film europeo, la idealización del sunshine cinema californiano... Pero también un poco del cine pre-Código de los años 30, de Mae West, de cine musical.

Cine puro, puro cine. No, no es Boogie Nights, pero casi. Anna Biller ha logrado, en un filme, crearse un universo Anna Biller. Y es un buen lugar. A ver qué sigue con esta chica, que la ha hecho en el circuito de los festivales y que ha encontrado distribución para su DVD con Anchor Bay, aprovechando que el grindhouse está de moda.

Los Glosters: Por la carretera.

2009-07-10T14:13:00.006-05:00

'Por la carretera' es el nuevo vídeoclip de Los Glosters. Es una canción que sale de su álbum más reciente, Canciones (Flor y Nata, 2009), una tonada beat muy en su estilo, bastante sencilla y pegajosa.

La particularidad es que el clip fue dirigido por Cynthia Calderón y Ramiro Jiménez, de Digital Gordon, realizadores guanajuatenses, leoneses, que ya tenían en su currículum, además de algunos cortometrajes animados, el vídeo para Los Padrinos!, Comic Strip (que puedes ver haciendo click acá.)

Bastante más logrado y muy en el estilo de Digital Gordon, Los Glosters, se convierten en un dibujo animado muy pop, bastante coherente con el sonido tan beat y buen-humor del grupo insignia de Tarragona. Además, como ya decían los mismos Glosters, ya queda más claro a qué se refieren con esa línea de "un millón de rayas"... Chicas, cerveza, scooters y ruido. Ojalá todos los paraderos de carretera fuesen así. Por cierto, que Los Padrinos! tienen por allí un pequeño cameo entre el enjambre de scooteristas. La conexión México-España sigue rindiendo frutos.

Acá está el vídeo. Disfruten:

Bettie Page dances to The Seeds.

2009-07-02T02:20:00.000-05:00

Sky Saxon (1946-2009.)

2009-06-25T18:55:00.009-05:00

Sky Saxon ha muerto. Larga vida al Rey.

En uno de los días media más extraños, se ha confirmado que Saxon, frontman de The Seeds, la banda "prototípica" de garage, ha muerto. No se necesita decir mucho más. Todos conocemos ese rasposo y cojonudo sonido y vaya que lo hemos disfrutado.

Saxon formó The Seeds en Los Ángeles en 1965, un nombre más que adecuado para una banda seminal, junto a Jan Savage (guitarra), Daryl Hooper (teclados) y Rick Andridge (batería). Ficharon con GNP Crescendo y lanzaron un par de singles que harían historia, dos de los singles debut más emocionantes de todos los tiempos: Pushin' Too Hard y Can't Seem To Make You Mine.

En 1966, vaya año, lanzaron sus álbumes The Seeds y A Web of Sound, dos favoritos de cualquier fan del garage. Más psicodélico fue Future de 1967 y un año después lanzaron un gran disco en vivo que comprobaba que eran un verdadero incendio en los escenarios: Raw & Alive, In Concert at Merlin's Music Box. En 1970 la banda se separó, aunque un año antes aún se lanzó A Full Spoon of Seedy Blues, aunque bajo el nombre de Sky Saxon Blues Band.

Tras los vertigionosos años 60, Sky Saxon se unió a la Source Family, una comuna religiosa fundada por Jim Baker, autonombrado Ya Ho Wha. En esta nueva vida espiritual Saxon se cambió el nombre a Sunlight. No dejó la música de lado, formando siempre bandas nuevas y oscuras, aunque enfocadas en el culto que había dado sentido a su vida, e incluso una agrupación se llamó YaHoWa 13.

En las siguientes décadas se le perdió un poco la pista, pero encontró un poco de estabilidad y se casó. En la década de 2000, reformó a The Seeds y se fue de gira. Sus discos no han dejado de reeditarse y viejas grabaciones inéditas han sido revisadas y reeditadas. Desde el garage revival su música fue revalorada y se convirtió en referente obligado de todo fan de la música de los 60. Y, por supuesto, de todo melómano que se precie de serlo.

Larga vida a Sky Saxon. Los motivos de su muerte aún no se han confirmado, aunque estaba internado desde el lunes 22 de junio.

También debemos hacer un homenaje a Michael Jackson, con mucho respeto, pero todos los medios hablarán de él. Por eso decimos: un día que pasará a la historia. 25 de junio. Desafortunadamente (¿o afortunadamente?) ni CNN ni los periódicos se enterarán de los tributos a Sky Saxon. Quien, por cierto, ya suena a todo volumen en la tornamesa.

'Roman' por Polanski.

2009-06-21T23:51:00.009-05:00

"Mi generación reaccionó contra el clima estalinista de la única manera que pudo. Escuchábamos la Voz de América y la Cadena de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, con su constante emisión de música de jazz, y exhibíamos provocadores atuendos. Oficialmente se nos designaba con el nombre de "gamberros." Los ciudadanos serios de Cracovia nos llamaban dzolerzy o bazanty ("faisanes"), y ser un faisán nos exigía andar siempre buscando cosas en los mercados callejeros de viejo... y gastar también mucho dinero.

"Los zapatos revestían una importancia fundamental. Los más codiciados no tenían puntera y los más corrientes eran de cuero negro, si bien los de ante azul aún se apreciaban más. Los pantalones muy ajustados al tobillo se complementaban con unas largas chaquetas a cuadros escoceces o de pana, con los hombros muy marcados. Los cuellos de las camisas tenían que ser estrechos y con el ángulo abierto. Casi todos nos doblábamos las puntas hacia adentro y los que tenían madre o alguna amiga que supiera coser se las hacían coser permanentemente para mejor imitar el estilo de los libertinos eduardianos. A ello se añadía una corbata unicolor anudada con doble lazo. Yo estaba muy orgulloso de una corbata americana muy ancha, en tonos amarillo y rojo oscuro con una estilizada rosa en el centro.

"El cabello se llevaba peinado hacia arriba por delante y el resto cepillado y cruzado por detrás. Los verdaderos "faisanes" completaban el atuendo con una gorra de paño airosamente encasquetada y abultada en la parte de atrás mediante un relleno de papel de periódico. Antes de entrar en alguno de los locales que solíamos frecuentar, teníamos por costumbre escupir en las palmas de las manos y alisarnos el grasiento cabello. Cuando surgía alguna pelea, el suelo de los cafés quedaba cubierto por las bolas de papel de periódico de las gorras de los "faisanes."

"Toda mi erudición "faisanística" la adquirí a través de Adam Fiut, jefe de la banda del barrio. Adam, hijo de un contratista cuyo negocio se había librado hasta entonces de la nacionalización, era un "gamberro" muy pendenciero que causaba muchos quebraderos de cabeza a sus padres. A cambio de sus enseñanzas, yo desperté su interés por el cine y el teatro.

"Con mi atuendo de "faisán", solía frecuentar los lugares que permitían vislumbrar fugazmente el mundo occidental... trayéndonos un soplo de aquel exotismo que a mis amigos y a mi nos seducía entonces mucho más que la grisácea monotonía de la Polonia comunista. Uno de tales lugares era el llamado Club de Prensa y Literatura de Cracovia, una biblioteca y sala de lectura en la que uno se podía tomar un café y hojear, además de un puñado de periódicos extranjeros políticamente aceptables como, por ejemplo, el diario comunista francés L'Humanité y Les Lettres Françaises, revistas deportivas como Miroir-Sprint, con sus fotografías a toda plana de ases del ciclismo como Louison Bobet y Hugo Koblet.

(...)

"Pocas eran las películas extranjeras que pasaban por el tamiz de la censura polaca en aquella gélida fase de la guerra fría, pero las que lo conseguían, eran como un filtro embriagador de lejanas regiones. Una de ellas, titulada Sans laisser d'adresse, una delicada y sensible comedia cuya acción transcurría en la orilla izquierda del París de postguerra, era una de nuestras preferidas. Su inquietante tema musical, La fiancée du prestidigitateur, cantado por Julieta Greco, se convirtió en nuestra música de sintonía... en algo que parecía evocar toda la magia que echábamos de menos en nuestro desolado ambiente."

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Fragmento de "Roman por Polanski" de Roman Polanski. Editorial Grijalbo. Barcelona. 1984. Traducción de Antonia Menini.

Roman Polanski (1933-) es uno de los directores fílmicos más célebres. Nació en París, pero se crió en una colonia judía en Cracovia, Polonia, en medio del Holocausto en la Segunda Guerra Mundial. Tras hacer teatro y rodar algunas películas en territorio europeo -Cuchillo en el Agua (1962) fue filmada en su país natal, mientras que Repulsión (1965) o Cul-de-Sac (1966) son ahora clásicos de cine británico- se mudó a los Estados Unidos. En 1968 se casó con la actriz y modelo Sharon Tate, además de rodar la célebre Rosemary's Baby, adaptación de la controversial novela de Ira Levin. En 1969, Tate fue brutalmente asesinada por La Familia, una secta liderada por Charles Manson. Tras el shock, Polanski regresó al cine en 1971 y tres años después filmó su obra maestra, Chinatown (1974), con Jack Nicholson en el estelar. En 1977 fue acusado de mantener relaciones sexuales con una menor y se auto-exilió en Europa, donde hasta ahora reside y en donde ha dirigido más de diez películas y recibido numerosos premios, incluyendo un Oscar en 2002 (que, por supuesto, no fue a recoger, pues sería arrestado de pisar suelo americano.)

Sin aliento...

2009-06-17T18:37:00.007-05:00

Estación Lionel-Groulx. Un martes. 6:48pm.
Salgo del tren. Conmigo bajan decenas de pasajeros. Cambio de línea, de la naranja a la verde. Un busker toca algo en su guitarra. Canta. Conozco la canción, pero no logro descifrar cuál es. Eso me mantiene ocupado mientras espero, impaciente, el siguiente tren. Faltan diez minutos y tengo qué llegar a la estación Place-des-Arts si quiero alcanzar la película. Y no sólo eso. Falta caminar por la calle Bleury hasta llegar al Cinéma Du Parc y llegar a tiempo para comprar mi boleto. ¡Y el tren no llega!

Estación Peel. 6:55pm.
El vagón en el que viajo va casi vacío. Qué bueno. Así al menos puedo sentarme. Saco del bolsillo de mi abrigo el libro de Ian Fleming que estoy leyendo, pero no puedo concentrarme. En una pantalla, justo frente a mi asiento, anuncian las noches de jazz de un bar que tengo ganas de visitar – ojalá no pidan identificación. Luego, el anuncio del concierto de B.B. King en la ciudad. Me alegro de ya tener un boleto. Al fondo del vagón, a mi derecha, dos personas discuten a gritos.

Mientras, me pongo a pensar en esa canción que tocaba aquel hombre. ¿Qué era? ¿Nick Drake? No sé, sonaba más a Tim Hardin. Aunque estando acá, seguro que era una de Leonard Cohen, el orgullo local, una que no recuerdo muy bien…

Estación Place-des-Arts. 6:58pm.
Me bajo del tren. Corro hacia la salida de la calle Bleury y trato de caminar lo más rápido posible hasta el Cinéma du Parc. A partir de ese cruce que acabo de dejar atrás, la calle Bleury deja de llamarse así y se conoce ya como la Rue du Parc. Falta poco. Un minuto y estoy allí.

De un salto bajo los escalones que hay qué bajar para llegar a la entrada del cine. El sujeto de la taquilla tiene cara de pocos amigos.

-Un billet, s’il vous plait…

Sala 3. Cinéma du Parc. 7:02pm.
Llego tarde a la sala, porque ya están los cortos. Anuncian Manhattan de Woody Allen y por ningún motivo me la perderé. Luego, un avance de Repo Man, ¡por eso es que me encanta venir al Du Parc! Giro la cabeza. No hay mucha gente en la sala, unas ocho o nueve personas más, tal vez.

Comienza la película. Silencio, por favor.

A la salida del Cinéma du Parc. 8:50pm.
Salgo de la sala. Algunas personas que salen conmigo van comentando la película en inglés. Yo estoy simplemente impresionado. Alcanzo a escuchar algunas opiniones en mi camino hacia la calle. Un sujeto dice que le ha parecido bastante mala la película, otro le responde que “debe entender la época”. A mí me interesa poco. Acabo de ver, en pantalla, la cosa más cool de todo lo que he visto. Me es difícil explicar por qué. Pero sé que algo pasó ahí dentro de esa sala.

Camino por la calle Parc hasta que de nuevo se convierte en Bleury. Las tiendas están ya cerradas. Hay poca gente vagando. Me dirijo a la estación Place-des-Arts para tomar el metro de regreso a casa y noto algo extraño: voy caminando mucho más erguido y con pasos decididos. Siento que voy dominando la calle. Imagino gente en las esquinas; los maniquíes son chicas que no pueden evitar mirarme. Comienzo a tararear algo, no sé qué; saco de mi bolsillo el libro de Ian Fleming. Lo porto bajo el brazo, paso el pulgar sobre mis labios, arreglo mi cabello corto pero despeinado mientras doy pasos cada vez más largos…

Llego a la estación y miro alrededor. Hay aún mucha actividad, mucha gente con miradas cansadas y bolsas de plástico llenas de cosas. Espero el tren. Cada movimiento de las personas que me rodean me dice cosas, todos quieren gritar algo… yo ya no necesito eso. Mi cabeza sigue en las escenas de la película –todo tiene tanto sentido dentro de ese mundo blanco y negro del que acabo de salir… ¿o al que acabo de entrar? –, en una tonada imposible, en un ritmo frenético. Y todo eso comienza a tener sentido también en mí, en el mundo “real”, cruel y adolescente en el que vivo. Acabamos de cruzar un nuevo milenio, ¿y cómo es que algo así me habla tan fuerte y tan claro?

Sí, estoy enamorado de Jean Seberg, quién no. Ella es ideal y sé que soñaré con ella. Pero quiero ser como Belmondo.

De pronto muchas cosas hacen clic en mi cabeza. Godard, el artífice del film, hace perfecto sentido al lado de mi libro de Ian Fleming, de ese disco que me robé del estante del padre una amiga, de ese boleto para B.B. King y de A Hard Day’s Night. Todo va a un ritmo, un ritmo que me gusta, vital y necesario. Un ritmo que es una necesidad, un impulso sin el que moriría. Sí, todo tiene sentido. Comienzo a ver claros los trazos en el lienzo. Comienzo a ver que, dentro de todo, si algo es elocuente de verdad es eso que tiene Belmondo: estilo.

He quedado sin aliento.

Llega el tren y me subo. El mundo alrededor ha cambiado. Qué importa si estoy en un vagón sucio y ruidoso, yo le doy brillo porque puedo. Cada chasquido de dedo, siguiendo la melodía en mi cabeza, es un corte godardiano en la película de mi vida. Película que, por cierto, ha comenzado en la vida real, justo al terminar otra en la pantalla.

-Esteban Cisneros

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Publicado originalmente en la red de Ecos de Sociedad

(http://www.ecosdesociedad.tk/) como capítulo 25 de "En el sol".

'Françoise Hardy' por Ivan Brunetti.

2009-06-14T00:36:00.015-05:00

Ivan Brunetti (Italia, 1967) es un nombre que los fanáticos del cómic sabrán reconocer. Su estilo sardónico es imposible de pasar por alto. En el mundo de Brunetti, afincado en Chicago, no existen los superhéroes, sino los individuos que, día a día, se enfrentan con la rutina, la cotidianeidad, las ciudades, el infierno del otro y las dudas existenciales. Así como suena, hace unos cómics divertidísimos. Geniales. Imposible dejar de mencionar el paralelismo temático de Schizo, su publicación más conocida (a lo largo de 12 años se han impreso 4 números) con el trabajo de Harvey Pekar, quien incluso le incluyó en 2006 en la antología The Best American Comics, de la que fue editor.

Brunetti es además un fanático de la música y de Charles Schulz, un obsesivo de la literatura y un pesimista que, sin embargo, gusta de reirse con la tragedia (otro de sus trabajos se titula Misery Loves Comedy), lo que también traza una línea al mundo de Woody Allen y sus extraños personajes.

Reproducimos aquí un cartón de Brunetti sobre Françoise Hardy, una de nuestras chicas favoritas ever. Imperdible. Uno de los varios cartones "biográficos" que ha publicado. Sólo resta decir: Brunetti es lo puto crack. Véalo usted mismo.

(Hacer click AQUÍ para agrandar imagen)

Koko Taylor (1928-2009)

2009-06-05T22:29:00.001-05:00

David Carradine (1936-2009)

2009-06-05T22:24:00.004-05:00

Shag!

2009-05-30T17:22:00.007-05:00

El mundo de Josh 'Shag' Agle es uno en el que podríamos quedarnos a vivir sin pensarlo dos veces. Es un mundo lleno de chicas elegantes y dispuestas a divertirse, dandies impecables, cócteles, esculturas tiki, escenas de lounge, casas del futuro... Puro Pop: convertir la vida en una obra de arte, ¿o al revés?

Este californiano, que comenzó en los 80 su propia banda The Swamp Zombies para poder diseñar las portadas de sus discos, ha sido siempre un pintor fuera de serie. A pesar de estar inspirado, como tantos otros contemporáneos, en la pintura comercial de los años 50, en el pop-art de los 60 y en la imaginería retrofuturista de las películas de espías ("agentes", corregiría Miss Hepburn) y flicks de ciencia-ficción, la obra de Shag no se parece a la de nadie. Ahí están siempre todos los elementos comunes que nos encantan: los comics, el Swinging London, la cultura tiki, las Vespas, los hot-rods, el jazz. Pero siempre son demasiado particulares, un poco demasiado Shag.

Pero a ver qué tiene él que decirnos. Del programa (piloto) Ultraculture, The Man Himself habla, totalmente cool, sobre sí mismo. Shag-a-delic!

El sitio oficial de Shag en http://shag.com/ es una maravilla, por cierto.

"Ídolo de los Ye-Yés" de Alain Conty.

2009-05-23T13:59:00.015-05:00

-¡Brutal, Gilbert!

-¡Formidable, "ye-yé"!

La música, el ritmo loco que imprimía el negro Georges a la batería.

-¡Bestial, Gilbert, bestial!

Más música, ininterrumpida, enloquecedora, casi como una maldición imposible de alejar del pensamiento.

Llevaba clavados en el cerebro los gritos aquellos, la música, el aporreo del piano, alaridos de trompetas y el contrapunto, grave, rítmico, cadencioso, del contrabajo.

Los dientes del negro Georges le parecía verlos brillar en la oscuridad, obsesivamente blancos, como un sorprendente teclado de un minúsculo piano.

También llevaba clavado en el cerebro el estruendo de las ovaciones y el de centenares de pies machacando el suelo.

A veces le acompañaba en sus canciones un coro inarmónico, delirante.

Recordaba su último éxito, el "twist" Muchacho a la medida. ¿Cuántas veces había tenido que repetirlo aquella noche?

"Mucho antes de que te conociera
Ya te había yo soñado..."

Chicos y chicas siguiendo el compás con retorcimiento de cuerpos y flexiones de piernas, chicos y chicas cantando:

"Muchacho eres tú
A la medida exacta para mí
Muchacho eres tú
A la medida exacta para mí..."

Se llevó las manos a la cabeza y se apretó las sienes con los dedos.

¡Maldita música! ¿Por qué había de seguir persiguiéndole incluso ahora que quería estar completamente solo y olvidado de todo?

Era un ídolo de a juventud, de los "ye-yés". No tenía mas que arrimarse al micrófono y empezar a cantar para que el ambiente pareciera cargarse de electricidad.

¡Ídolo de los "ye-yés"!

Unos le envidiaban y otos le odiaban. Muchos hubiesen querido ser ídolos de aquella juventud dispuesta casi a divinizar a quienes no hacían otra cosa de halagarles sus gustos.

Sonrió amargamente y se subió el cuello del abrigo.

* * * * *

Fragmento de "Ídolo de los Ye-Yés" de Alain Conty. Editorial Tesoro. Madrid. 1965. De la serie "Teddy Boys."

Contraportada: "Teddy Boys es una colección distinta a todas: Y de rabiosa actualidad: dramática, sentimental. Ambiente moderno, realista, dinámico, emotivo. Temas nuevos, de hoy, al que dan vida los autores más prestigiosos y valientes de la nueva ola. Novelas de la juventud para la juventud. Esta es sin duda su colección".

Comp's: GrooBeats Soundsystem Funk & Soul Session.

2009-05-16T17:22:00.002-05:00

"A good compilation tape, like breaking up, is hard to do.

You've got to kick off with a corker, to hold the attention [...], and then you've

got to up it a notch, or cool it a notch, and you can't have white music

and black music together, unless the white music sounds like black

music, and you can't have two tracks by the same artist side by side,

you've done the whole thing in pairs, and... oh, there are loads of rules."

-Nick Hornby en High Fidelity.

Las recopilaciones caseras son todo un arte. Que alguien nos contradiga. Cualquier melómano que se precie de serlo lo sabe y pasa horas recopilando para sí mismo, para los amigos, para la chica a la que hay que impresionar, para intercambiar por otras recopilaciones de otros melómanos...

Antes eran mix-tapes. Después, los CD-R's. Ahora, los mp3 permiten que las recopilaciones caseras sean digitales. Pero no hay como el artefacto: el disco (aunque mida 5".)

DJ Mr. Lee (uno de los tantos nombres de batalla de Luis Torres "Gokú") nos presenta la primera recopilación del Groobeats Soundsystem, una excelente sesión de Funk y Soul. El CD-R es una probada de lo que podemos escuchar cuando Mr. Lee está a las tornamesas y vaya que es bueno: Funk salvaje (The JB's); el northern soul más clásico, que nunca falla (Just Brothers); joyitas kitsch europeas (GIanfranco Plenzio) y ritmos latinos (El Chicano). Fiesta asegurada.

El disco puede conseguirse escribiéndole directamente a Mr. Lee o en el blog de GrooBeats. Nosotros adquirimos nuestra copia en el pasado Living for the Weekend y podemos recomendarlo con creces.

Tracklist:

1. Intro.
2. João Donato - Almas Irmas (mp3)
3. Breakestra - Getcho Soul Togetha Pt. 1 (vídeo)
4. The JB's - The Grunt.
5. The Bamboos - Side Stepper.
6. Just Brothers - Sliced Tomatoes (vídeo)
7. The Trinikas - Remember Me.
8. Marie Queenie Lyons - See And Don't See.
9. The Riot.
10. The Bongolian - Routemaster Ride
11. The Incredible Bongo Band - Bongo Rock '73 (mp3)
12. Gianfranco Plenzio - Grigioperla.
13. El Chicano - Eleanor Rigby.
14. Los Litos Barrientos - Push & Pull (mp3)
15. Cannibal & The Headhunters - Land Of 1,000 Dances.
16. Gianni Ferrio - Ira Rhythm & Blues.
17. Ennio Morricone - Adonal.
18. Boris Gardner - Melting Pot.
19. Lil Buck & The Top Cats - Monkey In A Sack.
20. Illinois Connection - Po' Boys Dream.

Pravda, la survireuse.

2009-05-07T21:08:00.001-05:00

Una ciudad... Una calle... Una moto... Una chica... Pravda, la survireuse, la vigilante; la chica psicodélica ideal, de la calle, montada en una moto-pantera que es como su espíritu... Creación del genial dibujante belga Guy Peellaert (recién fallecido en noviembre del año pasado) y sus visiones pop-art de lisergia y acción, Pravda fue dibujada con Françoise Hardy como modelo - otra heroína de Peellaert, Jodelle, fue dibujada con los rasgos de Sylvie Vartan.

Peellaert trabajó también con Nik Cohn, dibujando impresionantes retratos para el libro Rock Dreams y con David Bowie para quien diseñó la controversial portada de Diamond Dogs. En el cine, sus dibujos pudieron verse en Jeu de Massacre, una rara película de Alain Jessua en 1967.

En 2001 trabajó en una pequeña animación de Pravda, una verdadera maravilla:

Fanzine 'La Trampa del Bulevar', Número 0.

2009-02-07T01:45:00.001-06:00

Lo logramos.

La Trampa del Bulevar ahora en papel. Nuestra primera publicación está ya en las calles desde este 7 de febrero.

Incluye textos sobre ¿modernismo leonés?, jazz, la cultura del vinilo, la Generación Beat, The Zombies: Odessey and Oracle, el especial de TV The Sounds of Motown, Adam West como Batman, George Best, crónicas barcelonesas de Jorge Corleone, The Artwoods y los diseños de Mara Pop!

Todo por 24 pesos. ¿Quieres tu copia? Escríbenos a latrampadelbulevar@gmail.com. ¿Aceptamos intercambios? Y por qué no...

La presentación oficial de estas páginas de pura lust for life será el 7 de febrero en la fiesta Living for the Weekend, en Clandestino Bar Lab, Calzada de los Héroes 335-6, León, México.

Viviendo para el fin de semana...

2008-12-02T23:53:00.003-06:00

"(Well, well, I)
Owe it to myself
(Well, well, I)
Gonna party..."
-O'Jays, Livin' for the Weekend.

Nos la debíamos. Y cumplimos con creces. Living for the Weekend, este 29 de noviembre pasado, en León, fue brutal.

Esos adjetivos se prodigan ya a la ligera y a cualquier cosa. No es este el caso, ya que cualquier adjetivo se quedará corto. La fiesta fue total. No nos dejarán mentir.

Fue una noche de verdadera Camaradería, con un mercadillo de artículos (ropa, discos, cintas, fanzines, hojas informativas: presentamos el número 3 de nuestra querida Snap!), la proyección de excelentes películas de culto Sixties en blanco y negro, algo de cerveza y la mejor música de todas. La verdad es que fue una fiesta impecable de la que salimos tambaleándonos a la buena -y a la mala- porque la noche no nos noqueó, pudimos con ella.

Propios y extraños se levantaron al domingo siguiente aún tarareando ese Soul machacón cortesía de The Groovie Merchant (por mucho el mejor DJ de la ciudad... y tal vez no sólo de esta), tamborileando esos extraños ritmos que FourBee y Le Substitute nos hicieron bailar o buscando entre los discos para escuchar de nuevo esa canción que todos cantamos desde el fondo de nuestras barrigas llenas de brebajes extraños con las que Mara Pop! y Cisneros abrieron y cerraron la noche, respectivamente... ¿Es que hay algo mejor?

They call it stormy monday, but tuesday's just as bad... Pero siempre tendremos el fin de semana. ¡Gracias a todos los que asistieron, apoyaron, bailaron, bebieron, cantaron, intercambiaron, compraron, ligaron, discutieron, besaron, pincharon, criticaron, adoraron...! Los weekenders, únanse.

Nos vemos pronto. León se mueve.

Living for the Weekend.

2008-11-15T02:08:00.000-06:00

Levi Stubbs (1936-2008.)

2008-10-18T23:05:00.001-05:00

Levi Stubbs ha muerto. La noche del 17 de octubre, se fue a dormir y nunca despertó. En este mundo al menos, porque en el otro debe estar armando tremenda pachanga (reach out, he'll be there.) Su arrebatos emocionales/emocionantes, sin embargo, quedan allí, sobre el vinilo, en forma de canciones que nunca dejan de sonar. Stubbs se fue, tras una larga enfermedad, pero con el orgullo de haber sido siempre uno de los Four Tops y la voz de una planta carnívora...

Underground Fanzine, No. 3.

2008-10-01T17:47:00.001-05:00

La Ciudad de México, ya lo dijo André Bréton, es surrealista - para bien y para mal. Es una ciudad desquiciada, pero que nos gusta un montón. Por eso cuando nos invitaron a la fiesta Time For Action! fuimos sin pensarlo mucho. Sin mucho dinero, pero con mucho entusiasmo y ganas de parranda y música, tomamos un autobús y nos lanzamos hacia allá.

Time For Action!, debemos decirlo, fue una fiesta desorganizada y caótica, pero que tuvo lo suyo. Comenzamos en un bar, nos movimos a otro (lleno de metaleros, que huyeron tras una buena dosis de Northern Soul, ¡todo un triunfo!) y terminamos en otro más. Con todo, la convivencia estuvo bien, hubo algunos al que se les pasó el vino y hasta se apareció gente nueva, lo cual nos da un gusto enorme - ¡sigan!

Además, claro, hubo hojitas informativas para repartir (nuestras Snap! y la nueva Peeping Tom! y la defeña Friday On My Mind), discos (viejos vinilos y el EP de Los Padrinos!) y el nuevo número, el 3, de la Underground Fanzine, que reseñaremos a continuación.

¿Por dónde empezar? La foto de la cubierta es genial. Sí, dice "Julio '08" en la portada y la recibimos hasta finales de septiembre, pero así son los fanzines, ¿no? La contraportada es un lindo collage del programa de mano del Chewing Gum Weekend 2008, inmejorable.

¿Y el contenido? ¡Muy bueno! La verdad nos ha gustado más que el número anterior. Modernismo por todos lados. Comienza con un genial artículo sobre publicaciones de R&B de la Gran Bretaña de entre 1964 y 1966 escrito por los leoneses (de España) Mocky y Álvaro Dimples, todo con sus respectivas fotos - ¡envidiables! Hay una curiosa reseña a una edición mejicana de la banda sonora de Blowup de Antonioni, una sección de "retratos" de Mods mejicanos (comenzando, claro, con Toño "Mod TJ1" de la última esquina de Latinoamérica.) Hay entrevistas con The Ugly Beats, Ángel "Manzanares" (autor del libro I've Got My Mojo Working. Londres 1960-66, para mayor referencia), Al Supersonic & The Teenagers y The Canary Sect; un muy personal artículo de Los Allnighters por uno de sus integrantes (Igu) y textos muy ilustrativos sobre The Temptations en 45 rpm, Performance (la película con Mick Jagger y James Fox), un cómic muy divertido y un cuento absurdo de Dani Llabrés.

El disco que acompaña al fanzine, Dancing In The Street, tiene realmente lo suyo y nos sorprende ver (y escuchar) lo conectados que, sin saber, hemos estado musicalmente en estos días, ya que entre lo que hemos estado escuchando y los títulos de la recopilación hay bastantes coincidencias. Entre ellas, nombres como Jimmy Smith, James Brown, Chris Farlowe, Bo Diddley y Mongo Santamaría; y temas como I Don't Need No Doctor de Ray Charles y I Ain't Gonna Cry No More de Timi Yuro. Una selección de 25 temas con una que otra joya re-descubierta como The Super Super Blues Band (¡qué banda!), algunos instrumentales y música con tempos variados, para ponerlo en una fiesta y bailar, pero dar tiempo para ir por cervezas en los temas más lentos.

¿Y dónde conseguirla? Por correo, escribiendo a actiondist@gmail.com.

Peeping Tom! Número 1.

2008-09-22T13:14:00.001-05:00

Ya está en las calles nuestra nueva hoja informativa, Peeping Tom! ¡Cine clásico y de culto en papel!

En su primer número: Woody Allen y sus memorias de polvo de estrella. Reseñas de la versión original de The Wicker Man, el filme sixties de Modesty Blaise y los inicios gore de Peter Jackson. Que la casualidad te lleve a ella. En un parque, en un club, en un bar, en el autobús...

¡Nunca tires una hoja informativa! Regálasela a alguien a quien crees que pueda gustarle.

The Boiler 5, Barcelona.

2008-09-16T14:57:00.001-05:00

Nuestro hombre en Barcelona, Jorge Corleone, se dio una vuelta por el club The Boiler (en su edición 5) el pasado 13 de septiembre. Y hoy nos cuenta cómo lo pasó:

"Aquí van mis impresiones sobre el último Boiler. Llegué a eso de las 1:45 con mi colega Raúl, quien ya había recibido una buena dosis de cerveza gratis al pasar a buscarme al trabajo. Para mucha gente, sobre todo los Mods más comprometidos y militantes, el aspecto a lucir en una noche como ésta es clave. Para mí lo es, pero siempre opto por lo más cómodo, que es un polo Fred Perry blanco de estreno, desert boots, Levi's y una americana azul marino con rayas. No está mal, pero cuando te encuentras con un tío como Alberto (un clon casi exacto de John Entwistle, circa 1965) que va con un traje impecable y botas, como que piensas en usar pantalones de traje para la próxima vez. Tocará ir elegante al 100%.

"El mundillo Mod barcelonés es reducido y todo el mundo se conoce, así que no es de extrañar ver a personajes como Pepito Navarro, ilustre fotógrafo del desmadre y de toda juerga que se precie de tal, un veterano modernista. Amigo de personajes tan reputados como Alex Cooper, Steve Craddock (conocido como "Captain Wanker", que se debe a su fama de engreído) y al mismísimo Paul Weller. Navarro es una caja de historias y anécdotas inagotable. Siempre es agradable encontrarse con él y con la quinta de veteranos.

"Nombro en este artículo a mi amigo y "productor" Raúl González, puesto que es su primer contacto real con la escena Mod. Desde hace un año y pico a esta parte viene escuchando y leyendo cosas sobre los Mods, su música, estilo de vestir, etc., básicamente influenciado por vuestro humilde servidor. Se encontró con un mundo donde la gente va a pasárselo bien, sin malos rollos e incluso puedes encontrar algún Rockabilly bailando como poseso, sin que ello implique ningún problema (aparte del estético). Básicamente, es un ambiente relajado, lejos de la frialdad indie de la que él viene. Estaba tan sugestionado por lo que ha leído y oído, que pensaba que si no iba de traje y desert boots no le dejarían entrar. Hombre, ¡una cosa es tener estilo y otra es ser nazis! ¡Jajajaja!

"Se ven chicas muy guapas, con un look muy cuidado, que parecen sacadas del Flamingo, de Tiles o cualquier club del Londres de la primera mitad de los 60. También se encuentra gente que va como si viniera de la playa o con ropa absolutamente normal. Es cierto que desentonan un poco, pero al menos comparten las ganas de pasarlo bien.

"¿Y la música? Pues, creo que, de todos los Boiler que he asistido -ya van 4- es en donde mejor música he escuchado. Mucho Soul, Latin Soul, Boogaloo, Rhythm & Blues y la dosis justa de surf y rock'n'roll. Perfecto. En los dos anteriores, el tono predominante fue el rock'n'roll y el garage y como yo soy más bien soulero, me sentí algo incómodo. Hubiera preferido algo más negro. Aquí sí que lo encontré. Al salir me encuentro con Víctor, dependiente de UK Look (reputada tienda de ropa Mod de Barcelona de la que soy cliente habitual) y me dice "¡Hey, Jorge! ¿Qué te parece la música?" Yo le digo "De puta madre" y él, "Sí, pero falta un poco de guitarra". Yo le dije que, en realidad, no me importaba demasiado si había guitarras o no, porque las selecciones estuvieron bastante acertadas. Básicamente joyitas perdidas en 45 rpm de discográficas pequeñas americanas (compré un CD con las selecciones de los 3 DJ's residentes (Cristina Alonso, Jordi Duró y Alberto Valle) y no recuerdo haber visto momentos en que la pista se vaciara. Los DJ's invitados (Warren Boogaloo, desde Inglaterra; Alvaro de Diego, desde Madrid e Iván Muench, de Barcelona), pusieron la cosa aún más caliente y al ritmo del Latin Soul, la atmósfera era de diversión total. Cabe señalar que cada DJ dispone de 30 minutos rotativos y así dar paso al siguiente. Comparado a otras ocasiones, no he notado ningún bajón en la música y que la calidad de los pinchas era muy alta, lo cual la gente agradece abalanzándose en masa a la pista del pequeño Jazz Room.

"Lo más importante de todo esto es que el Boiler número 5 de este año, sin duda ha sido el mejor que me ha tocado presenciar (y disfrutar)...

"¡Saludos a los modernistas leoneses! Desde Barcelona...

-Jorge Corleone.

Gol: Manuel Negrete, México 86.

2008-09-12T14:06:00.001-05:00

1986. Mundial en México. Todos recordamos dos goles de Maradona, uno infame y otro maravilloso. Pero, definitivamente, uno de los más subvaluados y hermosos goles de la historia del fútbol es el de Manuel Negrete (que entonces jugaba con los Pumas de la UNAM) en el partido de México contra Bulgaria, jugado el 3 de junio del '86 a las 12 del día en el estadio Azteca de la Ciudad de México. No hay mucho qué decir; basta con ver el vídeo de arriba -con narración original- y disfrutar. ¡Eso es fútbol!

Isaac Hayes (1942-2008).

2008-08-11T18:26:00.001-05:00

Isaac Hayes ha muerto. El compositor de Soul Man y Hold On, I'm Coming se ha ido. El creador del tema de Shaft y parte esencial de la familia Stax en su época dorada (fue músico de sesión con gente como Otis Redding) no es más.

Hayes tuvo dos grandes facetas: como forjador del mejor soul sureño en su natal Memphis y a partir de 1969 como solista, haciendo un funk sinfónico que le dio gran éxito (su versión de Walk On By de Burt Bacharach nos parece insuperable) y llegando hasta desplantes disco muy poco inspirados. Su profunda voz podía escucharse en South Park, personificando a Chef.

Un buen tipo, Isaac Hayes.

Going Underground, León.

2008-08-09T16:59:00.001-05:00

Los desquiciados de Lookin' Back tiraron la casa por la ventana el pasado sábado 2 de agosto y todos estuvimos invitados. No hay mejor manera de comenzar el mes ocho del año ocho que con música, música, música. El cuasi-legendario Bar La Caguama fue el lugar indicado para horas y horas de sonidos clásicos, siempre modernos, y para encontrarse con todos esos búhos que viven de noche y odian el sol.

Algo está pasando en la agitada y siempre extraña ciudad de León... Going Underground resultó una fiesta más que buena, de esas que no suceden todos los fines de semana. De esas que dan gusto.

Todo comenzó temprano, aunque no tanto como el cartel lo anunciaba. Este sigue siendo un problema de organización grande, ya que todo siempre se demora - aunque el público tiene mucho qué ver con esta impuntualidad. Con todo, la cerveza y la música comenzaron desde que se abrieron las puertas y eso se agradeció muchísimo.

The Groovie Merchant (sic) fue el encargado de los sonidos vibrantes de la noche. Presumió de buen modo su gran colección de discos con una selección impecable, funky y frenética.

Los primeros en saltar a escena fueron The Stockyard y, como siempre sucede, comenzaron los gritos de las chicas. Su Sixties Revival es bastante efectivo y a base de buenas versiones de The Kinks, The Who y hasta de Oasis (¿!) dejaron el ambiente listo para mucha más fiesta. Tienen una muy buena pinta y mucha juventud, así que seguramente escucharemos mucho más de ellos.

Caribe Kingston fue la banda que siguió y lo hicieron bien, aunque siguen siendo poco consistentes. Su reggae/ska de raíces suena bastante sucio y sirve para bailar cuando se tienen unas cervezas encima, pero esta vez no funcionó tan bien - además de que su imagen no ayuda mucho. Con todo, una banda que, con algo de trabajo, cumplirá lo que promete.

Esa noche fue el debut de Los Psychodeliciosos, que ojalá siguieran juntos al regreso de Howard, su vocalista que se ha auto-exiliado. Con sonidos lisérgicos y berridos en ñ, estos melenudos nos hicieron cantar con su versión de Están cambiando los colores de la vida de Los Chijuas. Poca precisión, pero mucha energía, como dijeron por allí.

Pero si creíamos que los sonidos psicodélicos iban a terminar, siguieron con Juan de las Negras, experimentalistas a ultranza que dejaron desconcertado a más de uno.

Siguieron Los Padrinos! que, aunque no fue su mejor gig, tocaron las canciones acostumbradas: algunas versiones (a Bo Diddley, a The Who y un extrañísimo medley llamado Surfin' Demolition Bird... ¡qué cosa!) y temas de su EP El hombre globo lo sabrá. Su presentación fue bastante caótica y llena de energía. Talkin' about my g-g-generation!

Y cerraron los Standards, la banda más añeja de todas, y fue inevitable pararse a brincar. La cerveza ya había corrido con ganas y el lugar, que contra todo pronóstico se llenó, se convirtió en el manicomio prometido. Con cada presentación la energía creció, así que a la sexta banda el guateque ya era de grandes proporciones. Buenísimas versiones de blue beat esmeralda, sonido realmente vintage, estos sujetos saben lo que hacen. Y todos querían más, más, más.

La fiesta continuó, obviamente, con más discos y chasquidos de dedos y conversaciones a-mil-por-hora, hasta que nos corrieron del bar. Terminamos molidos, pero contentos, esperando que sea la primera de muchas fiestas Going Underground. Que así sea.

Snap! Número 2.

2008-08-01T02:53:00.001-05:00

Sí. El número 2 de nuestra hoja informativa Snap! ya está en las calles. Que la casualidad te lleve a ella. En un parque, en un club, en un bar, en el autobús...

En este número: Going Underground, León. Reseñas de 6 bandas y un llamado a todos aquellos mis-shapes, mistakes, misfits...

¡Nunca tires una hoja informativa! Regálasela a alguien a quien pueda gustarle...

Chewing Gum Weekend 2008, Ciudad de México.

2008-07-23T00:30:00.001-05:00

Por segundo año consecutivo, la Ciudad de México fue sede del Chewing Gum Weekend, evento anual que, ojalá, se convierta en una buena costumbre. Dos noches (18 y 19 de julio 2008) de música y estilo Mod/Sixties que se agradecieron como se debe: agitando el esqueleto hasta decir basta.

Este año fue un festival genial que hizo honor a su excelente nombre (contrario al año pasado, debemos decirlo, que no nos gustó). Dos días de pura buena música en vivo, en vinilo y además una reunión necesaria con buenos amigos.

Allí estuvimos, por supuesto. Una crónica de cómo lo vivió La Trampa del Bulevar, a continuación:

Día 1.

Salimos de nuestro León temprano en autobús el viernes. Un percance en la carretera nos retrasó la salida de la ciudad por una hora entera, así que llegamos retrasados a la Ciudad de México, pero con muchos ánimos. Tomamos, de la terminal, el metro al apartamento prestado donde íbamos a quedarnos. Nos cambiamos y salimos de nuevo al metro. Tras un largo recorrido, nos bajamos en Metro Revolución. Al bajar, nos encontramos con un grupo de Skinheads muy bien vestidos para la fiesta y, como supusimos que iban a lo mismo que nosotros, les preguntamos hacia dónde debíamos ir. Por supuesto que sabían dónde era la fiesta y nos dieron indicaciones, prometiéndonos que nos veríamos después.

Llegando al lugar (el Bar Grotesk) había muchísima gente ya afuera esperando a que abriera el lugar. Muy buena ropa, muy buenos peinados... se respiraba un muy buen ánimo. Fuimos saludando a gente que ya conocíamos del año pasado y mucha más que conocíamos sólo por la Internet. Fue bueno ver que gente que sólo habíamos visto en ciber-fotos existiese en carne y hueso. Nos lo pasamos charlando y saludando a los viejos y nuevos conocidos hasta que, por fin, abrieron la puerta. Casi todo el mundo entró como desesperado y ya adentro, el ambiente era de pura expectación. Todos estaban dispuestos para la fiesta y al fondo del lugar (en un primer piso) ya estaban preparados los instrumentos para las bandas. En una esquina cerca de los baños se encontraba Ruffy, autor del nuevo libro (único en latinoamérica) Aggro: Reggae + Skins = TNT vendiéndolo en un improvisado stand. Por supuesto, nos hicimos de uno y esperamos reseñarlo pronto.

La música comenzó a sonar y mucha gente comenzó a bailar; otros sólo a beber. Tras muchos minutos se subieron a escena los Robots From The Moon, banda capitalina de Reggae cósmico que comenzó a calentar motores. El sonido no impecable, pero el ánimo de la banda y los presentes sí.

Después de ellos, ¡Los Ovnis! Garaje mejicano original de los 60. Todas unas leyendas vivientes. Es increíble que estos señores de sesenta y tantos años toquen de ese modo. Incluso llegaron en sus rugientes motos. Su set incluyó muchas versiones (a The Animals, Sam Cooke -aunque atribuyeron Shake a Eric Burdon-, los Stones y su clásica versión de Enciende mi fuego de The Doors, que aunque no son santos de nuestra devoción, suenan genial en voz de don Armando Vázquez); pero también canciones originales de su aclamado y muy coleccionable disco "Hippies" (1968) como Te doy tu lugar.

Tras los clásicos de rigor y los covers en español, ya completamente ambientados, llegaron Los Rampart’s, que debutaban esa noche. Su R&B sucio nos gustó muchísimo. Nos desgarramos la garganta cantando clásicos como Baby Please Don't Go. Una actuación muy poderosa.

Y al final tocó a Los Padrinos! subirse a escena. Son nuestra banda, de León, así que fue bueno verlos de nuevo en la Ciudad de México. Sin embargo, la guitarra comenzó a fallar, los micrófonos a apagarse y el sonido fue de mal en peor, pero eso no importó para que hicieran algunos destrozos en un gig sin pies ni cabeza, pero MUY divertido, lleno de caídas, maracas rotas y mucho raw power. Tanto que en My Generation muchos asistentes tomaron el micrófono para cantar gritando y al final músicos de los Rampart’s se subieron con ellos a hacer una errática versión de Louie Louie.

Todavía después, Mod TJ1 (gran amigo que vino desde Tijuana) fue protagonista con su DJ set que nos puso a brincar como locos con su selección psicodeliciosa y de buen gusto. Además de él, durante la noche, estuvieron en la tornamesa -o al menos eso decía el programa, estábamos tan entrados en la fiesta que no nos fijamos- Attack Bisont (de Puebla), Fat Man, Ernesto Fuzz On y el siempre misterioso (¿será?) Blue Demod. La noche terminó así, aunque aún la comitiva leonesa decidió irse a unos tacos callejeros para cerrar la noche (el día, más bien, porque terminamos temprano en la mañana) y prepararse para la siguiente.

Día 2.

Anduvimos como zombies todo el día callejeando y cuando llegó la noche, nos encaminamos al Centro Histórico de la Ciudad de México, donde la fiesta sería en un noveno piso de un edificio sin ascensor. ¡Qué importaba! Íbamos subiendo guiándonos por la música que ya sonaba arriba. Esa noche fue sólo de selectores y vaya que lo hicieron bien. La noche fue casi dominada por los sonidos jamaicanos, pero cuando hubo Soul no faltaron ni el talco ni las piruetas. Hubo mucha cerveza, pláticas con buenos amigos, una vista impresionante de la Ciudad de México, horas y horas de bailar sin parar y hasta uno de nosotros terminó comprándole un 7" de Carla Thomas a nuestro amigo Beto...

Quien no se divirtió esa noche merece el mote de Amargado.

Tras las tornamesas estuvieron - así, nada más- Chris Morgan, Rick Kendrick (de los InCiters), Mr. Ryha White (que puso a brincar a todos), el Tritón Soundsystem, Dante Soulcialista (que causó polémica al iniciar su set con I Wish de los Babyshambles... ¡nosotros le celebramos el detalle!) y Moisés Underground (gracias, mate).

¿A quién le importa otra cosa? La verdad… estamos aquí por esto: por el amor a la música, nuestra música y lo demás es complemento. Hay a quienes les obsesionan que las corbatas tengan un milimetraje exacto; hay quienes se apasionan por el cine de época; hay quienes sólo quieren bailar y pelear; hay quienes vienen y van. Y todo se vale. Siempre y cuando nos una lo que siempre nos ha unido: ese sonido inigualable de los discos que giran rápido y no tanto. Hemos regresado a León con un buen sabor de boca y ganas de más. If the kids are united...

Gracias a los organizadores, especialmente Moisés y Lisette, que nos trataron muy bien (aunque nos deben ese fanzine.)

Nos vemos el año entrante. ¿A que sí?